viernes, 8 de abril de 2011

Tiempo de BAFICI



A horas de empezar mi semana BAFICI, estas son algunas películas que iré a ver al BAFICI...


13 Assassins
 
Director: Takashi Miike 
Guión: Kaneo Ikegami, Daisuke Tengan
Reparto: Kôji, Yakusho, Takayuki Yamada, Yûsuke Iseya, Gorô Inagaki
Fotografía: Nobuyasu Kita
Montaje: Kenji Yamashita
Producción: Japón, Reino Unido | 2010
Título original: Jûsan-nin no shikaku
Duración: 141 Minutos
Link de IMDB: 13 Assassins
Link de BAFIC: 13 Assassins

Sinopsis:
El hiperactivo, ultraviolento, súper-excesivo Miike parece haber dejado varios prefijos por el camino para construir esta película. Y ese camino no es otro que el del samurai, pero antes de que piensen cualquier cosa –si algo aprendimos de Miike es a pensar cualquier cosa–, hay que decir que 13 Assassins no intenta parodiar al cine clásico de samurais ni darle una vuelta de tuerca. No: ésta es una película de samurais en toda regla, con sus personajes de una sola pieza, sus apropiados tonos crepusculares, incluso con más rigor histórico que muchas otras, como queda claro desde el detallista suicidio ritual del principio. Partiendo del film homónimo de 1963, Miike despliega pacientemente su visión de la decadencia del shogunato (a mediados del siglo XIX), centrándose en el sádico señor feudal Naritsugu y el equipo de guerreros, al mando del legendario Shinzaemon, quien tiene por misión asesinarlo. La batalla final ocupa ¡45 minutos! de acción y tensión, carne humana cortada, espadazos errados, barro, sangre: la demostración más virtuosa posible de que Miike sigue teniendo la receta para sorprendernos.


Football is God
Director: Ole Bendtzen
Guión: Ole Bendtzen
Reparto: -
Fotografía: Henrik Bohn Ipsen
Montaje: Niels Pagh Andersen
Producción: Dinamarca | 2010
Título original: Football is Good
Duración: 53 Minutos
Link de IMDB: -
Link de BAFIC: Football is God

Sinopsis:
Dijo Romario: “Jugué para Barcelona y Brasil por todo el mundo, en todos los grandes estadios, pero nunca experimenté nada comparable a jugar en La Bombonera contra Boca. Es lo más cercano al infierno”. El documental danés Football Is God sigue a tres hinchas de Boca: 1. Pablo, el ultrafanático maradoniano; 2. “La Tía”, una señora que trata a los jugadores de Boca como si fueran sus sobrinos, les lleva caramelos y les hace regalos para sus cumpleaños; 3. Hernán, un fanático envenenado, al que la palabra pasional le queda muy chica: se le quiebra la voz recordando un gol de Mastrángelo de hace décadas. Hernán, sin embargo, puede observar su pasión desde un lugar analítico, y hasta lo vemos en sesiones de psicoanálisis hablando de su fanatismo. Por su parte, Pablo se integra a la Iglesia Maradoniana, y hasta vemos los ritos. Y “La Tía” le compra unos calzoncillos a Martín Palermo... y lo vemos a Palermo. Football Is God es un apasionante paseo por las pasiones. Y por la Bombonera. Y por una parte de la psiquis argentina vista por un extranjero.


Fix Me


Director: Read Andoni
Guión: Read Andoni
Reparto: -
Fotografía: Philip Zumbrunn, Aldo Mugnier
Montaje: Tina Baz
Producción: Palestina | 2011
Título original: Fix me
Duración: 98 Minutos
Link de IMDB: Fix Me
Link de BAFIC: Fix Me

Sinopsis:
Al director Raed Andoni le duele la cabeza. No un dolorcito común, de esos que se van con una aspirina. No: a Andoni le estallan las sienes, no puede concentrarse, se queda mirando la pantalla en blanco de la computadora. Su médico clínico sugiere motivos psicológicos, así que allá va el malhumorado –la familia aclara que ya era así antes de la migraña– Andoni, a que lo arreglen en terapia.
De eso se trata Fix ME: de sesiones con el psicólogo filmadas a través de una ventana; de charlas con parientes y viejos amigos; de viajes en auto interrumpidos por los puestos de control y por un paredón ominoso. Porque estamos en Cisjordania, y si vivir aquí no fuera suficiente para que a uno le duela la cabeza, sí lo es para que la política se meta irremediablemente en cada conversación, en cada anécdota, en cada recuerdo. Y para poner a Andoni cerca de Nanni Moretti, no sólo en lo evidente sino también en su capacidad para convertir el absurdo cotidiano en comedia agridulce o poesía visual; véanlo si no tomar cerveza con el flotador patito al lado, “a nivel del mar” en pleno desierto.


Kitchen party
Director: Gary Burns
Guión: Gary Burns
Reparto: Scott Speedman, Tygh Runyne, John Payne, Jessica Leis, Aisha Jau
Fotografía: Robert Aschmann
Montaje: Mark Lemmon, Reginald Harkema
Producción: Canada | 1997
Título original: Kitchen Party
Duración: 92 Minutos
Link de IMDB: Kitchen Party
Link de BAFIC: Kitchen Party

Sinopsis:
Después de su “Slacker a la canadiense”, Burns le hace otro guiño al cine de Linklater. Rebelde y confundido, Scott quiere hacer una fiesta en casa para sus amigos y, de paso, llevar a la cama a su novia Laura (muchos reconocerán a Scott Speedman y Laura Harris, respectivamente, por las series Felicity y Dead Like Me o 24). Hay un problema, o dos: los padres de Scott, que tienen a su living por una especie de santuario del orden, en el que la mínima desviación de los pelos de la alfombra es un pecado mortal. Pero como en la cocina no hay alfombra, mientras la fiesta se mantenga dentro de sus límites no debería pasar nada. Además papá y mamá salen esa noche, así que pronto empiezan a llegar los amigos, las bebidas, las drogas, los problemas. Contando en paralelo la fiesta de la cocina y el también descontrolado cóctel de los padres a través de un montaje preciso (uno de sus responsables, Reg Harkema, estaba a punto de lanzarse a dirigir) que termina por reunir ambas historias, Burns sigue afilando su mirada impiadosamente cómica de la vida en los suburbios de Canadá.

Foreign Parts
Director: Véréna Paravel, J.P. Sniadecki
Guión: Véréna Paravel, J.P. Sniadecki
Reparto: -
Fotografía: Véréna Paravel, J.P. Sniadecki
Montaje: Véréna Paravel, J.P. Sniadecki
Producción: EEUU, Francia |2010
Título original: Foreign Parts
Duración: 80 Minutos
Link de IMDB: Foreign Parts
Link de BAFIC: Foreign Parts

Sinopsis:
La construcción de un nuevo estadio de béisbol en el suburbio neoyorquino de Queens implica la reurbanización de Willets Point, una importante área en decadencia de la vecindad. El problema es que allí opera el mercado informal de autopartes más grande de la ciudad, cuyas calles son surcadas a diario por vehículos de todo tipo y color en busca de repuestos. Tan lejos del documental de denuncia como de la apología de la pobreza, Foreign Parts nos introduce en la vida cotidiana del lugar y de algunos de sus habitantes, que incluyen inmigrantes hispanos, drogadictos y homeless. En sintonía con la similar Sweetgrass –cuyo codirector Lucien Castaing-Taylor apadrinó este proyecto–, el tono es crepuscular y la película una suerte de homenaje a un mundo condenado. Como en muchas grandes ciudades, los habitantes de Willets Point operan al borde de la legalidad, alimentando al mismo mercado que ostensiblemente busca su desaparición: son la grieta que da estabilidad al sistema, y su sola subsistencia –la dignidad con que administran sus escasos medios– tiene aquí el valor de un discurso político.

Cold Fish
Director: Shion Sono
Guión: Shiono, Yoshiki Takahashi
Reparto: Makoto Ashikawa, Denden, Mitsuru Fukikoshi, Megumi Kagurazaka
Fotografía: Shinya Kimura
Montaje: Junichi Ito
Producción: Japón | 2010
Título original: Tsumetai Nettaigyo
Duración: 144 Minutos
Link de IMDB: Cold Fish
Link de BAFIC:Cold Fish

Sinopsis:
Sion Sono, cineasta y poeta de la visceralidad nihilista (o del nihilismo visceral), vuelve a transitar el mejor cine subversivo: aquel que divierte y perturba en partes iguales. El señor Shamoto regentea una modesta tienda de peces y lleva una vida aparentemente estable junto a su segunda mujer y su hija, hasta que irrumpe Murata, dueño de un lujoso negocio ictícola abarrotado de adorables dependientas adolescentes. La simpatía de Murata, y sus irresistibles alardes materialistas, no tardarán en seducir a la familia, aunque Shamoto descubre pronto que la amabilidad desmesurada y la sonrisa constante esconden secretos turbios y sangrientos. Una película brutal en forma de catálogo espasmódico de perversiones, cuyo matiz de crítica social (revela la podredumbre, cada vez peor disimulada, que anida bajo los neones capitalistas) no afecta la ambigüedad de todos sus personajes. Incluido el propio Shamoto, cuyo dócil carácter se verá gradualmente alterado a medida que la espiral de acontecimientos lo arrastre al borde de la locura.

Ponette
Director: Jacques Doillon
Guión: Jacques Doillon, Bruce Compagnon
Reparto: Victoire Thivisol, Delphine Schiltz, Matíaz Bureau Caton, Léopoldine Serre
Fotografía: Caroline Champetier
Montaje: Jecqueline Lecompte
Producción: Francia | 1996
Título original: Ponette
Duración: 97 Minutos
Link de IMDB: Ponette
Link de BAFIC:Ponette

Sinopsis:
Ponette es una niña de cuatro años que debe enfrentar acaso una de las situaciones más duras para un niño: la muerte de su madre. Sobreviviente del accidente fatal, la niña es dejada por su padre en la casa de su tía Claire y sus primos Matiaz y Delphine. Claro que para su familia no es fácil explicarle qué sucedió y dónde está su madre; y ante las dudas de Ponette, ensayan respuestas que buscan reconfortarla. Así es como un cierto día su tía le habla de Jesús y de la resurrección. Esta idea genera grandes esperanzas en la pequeña, que cree posible que su madre regrese en cualquier momento, y así es como comienza a dedicar gran parte de su tiempo a esperar que esto suceda. Con la ayuda de su amiga Ada, juntas intentarán establecer un contacto con Dios con la esperanza de que éste las escuche y devuelva a la madre de Ponette a la tierra. La impactante actuación de Victoire Thivisol, en este duro papel, la transformó en la ganadora más joven del premio a la mejor actriz entregado por el Festival de Venecia.

Détroit Ville Sauvage
Director: Florent Tillon
Guión: Florent Tillon
Reparto: Scott Farrow, Geoff George, John George
Fotografía: Florent Tillon, François Jacob
Montaje: Florent Tillon, Claire Atherton
Producción: Francia | 2010
Título original: Détroit Ville Sauvage
Duración: 80 Minutos
Link de IMDB: Détroit Ville Sauvage
Link de BAFIC:Détroit Ville Sauvage

Sinopsis:
De meca de la industria automotriz a “capital americana del asesinato”; de cuarta mayor urbe del país a un lugar fuera del top 10 (y su población sigue en descenso); de la ciudad rockera a la que le cantaba Kiss a ésta salvaje ante la que se sorprende, extranjera y extrañada, la cámara de Florent Tillon. Devastada por las tragedias invisibles del capitalismo, Detroit no necesita efectos especiales para convertirse en escenario de una película post-apocalíptica: los halcones anidan en rascacielos abandonados, la vegetación crece en veredas rotas y estacionamientos sin autos, los perros cimarrones son los únicos dueños de la calle. La Detroit que Tillon retrata –en tomas aéreas desoladoras o en recorridos que parecen los de Soy leyenda– es una metáfora cruel del fracaso del sueño americano, de esa fe industrial en el progreso eterno de la que alguna vez su nombre fue sinónimo. Pero, de entre sus ruinas, comienzan a crecer algo más que yuyos: pequeñas comunidades autosuficientes, que cultivan sus propios alimentos y todavía creen que el futuro no tiene por qué ser una extensión del presente.

Burrowing
Director: Fredrik Wenzel, Henrik Hellström
Guión: Fredrik Wenzel, Henrik Hellström
Reparto: Sebastian Eklund, Jörgen Svensson, Hannes Sandahl
Fotografía: Fredrik Wenzel
Montaje: Fredrik Wenzel, Henrik Hellström
Producción: Suecia | 2009
Título original: Man Tänker Sitt
Duración: 76 Minutos
Link de IMDB: Burrowing
Link de BAFIC:Burrowing

Sinopsis:
Sebastian vive con su madre en un pueblo tranquilo de Suecia. Desde un lugar elevado, observa a su barrio y a sus vecinos: Jimmy vive con los padres aunque ya tiene su propio bebé y no lo dejan tener las llaves de la casa porque no confían en él; Anders, un joven empresario que acaba de obtener permiso para construir un estacionamiento; y Mischa, un hombre que llegó en los ‘70 como trabajador temporario y nunca se fue. Sebastian interactúa con cada uno de ellos y observa los alrededores. A través de su mirada infantil sobre la organización pequeñoburguesa del mundo y el latir misterioso de cierta fuerza extraña, Wenzel y Hellström logran sumergirnos en una tensión que tiene tanto de actual como de inexplicable. Tal vez una respuesta posible se encuentre en la inmensidad del bosque que rodea el pueblo. O en las citas de Henry David Thoreau que abren y cierran el relato; las cuales dejan entrever que, así como las garras y el hocico son partes esenciales en la supervivencia de los animales, la mente podría ser la única herramienta del ser humano ante tanta violencia agobiante.

Snap
Director: Carmel Winters
Guión: Carmel Winters
Reparto: Aisling O´Sullivan, Eileen Walsh
Fotografía: Kate McCullough
Montaje: Mary Finlay
Producción: Irlanda | 2010
Título original: Snap
Duración: 86 Minutos
Link de IMDB: Snap
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Sinopsis:
Snap presenta una particular relación madre-hijo. En su opera prima la cinematográfica Carmel Winters –más que contarla– examina la historia a través de una fascinante composición en capas, cada una de las cuales permite acceder a un abordaje diferente: el arrebato de la ficción, la elusividad del recuerdo, el realismo documental más crudo. A partir del último es que comienza a deshojarse este film-cebolla: ásperamente, Sandra le relata a un reducido equipo técnico de cine su involuntaria participación en un misterioso crimen. Habla, o más bien gruñe en varias direcciones: interpela a los miembros del equipo, hace preguntas a cámara, contesta con ferocidad. Mientras tanto, en la cándida luminosidad de la “ficción”, Stephen, el pecoso hijo adolescente, pasa su tiempo junto a un bebé, al que parece estar cuidando en una casona de un barrio apacible. Miran TV, comen caramelos dispuestos en platos como caritas sonrientes... Dulce impresión que de a poco se irá contaminando de un tinte cada vez más amargo, hasta llegar a la negrura más descarriada: el corte transversal de todas las capas.

The Women in the Mirror
Director: Yoshishige Yoshida
Guión: Yoshishige Yoshida
Reparto: Mariko Okada, Yoshiko Tanaka, Sae Isshiki
Fotografía: Masao Nakabori
Montaje: Kijû Yoshida, Hiroaki Morishita
Producción: Japón | 2002
Título original: Kagami no onnatachi
Duración: 124 Minutos
Link de IMDB: The Women in the mirror
Link de BAFIC: The Women in the mirror

Sinopsis:
Yoshida volvió al cine de ficción tras un intervalo de quince años con este “drama familiar” acerca del significativo tema de la bomba atómica, que todavía hoy persigue a muchos japoneses. Tres generaciones de mujeres se preguntan por su identidad pero, con el hongo nuclear de Hiroshima en el horizonte, terminan por reconocer que no puede haber una respuesta definitiva a su búsqueda, debido a la irracionalidad del bombardeo atómico. Todos los elementos del estilo de Yoshida están presentes de forma muy visible en este potente trabajo tardío que el director hizo casi a sus 70 años. Mientras que muchos admiradores de su cine prefieren hablar de “su film más reciente” en vez de “su último film”, el propio Yoshida declaró que puede muy bien hacerse a la idea de que éste sea su testamento cinematográfico. The Women in the Mirror lo llevó a Cannes y disparó una revaloración de su obra en su país natal y en Francia. También reanudó su colaboración con Mariko Okada luego de tres décadas.

*Postes obtenidos desde MoviepostersDB – Ficha técnica obtenida de IMDB  y de la página oficial del BAFICI  – Sinopsis obtenida de la página del BAFICI

1 comentario:

  1. Football is God documental imperdible ! Un abrazo grande Seba excelente tu Blog ! Valmor.-

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