Festival de Cine 4+1

Del 26 al 30 de octubre se realizará el Festival de Cine 4+1 en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). El festival simultáneo en 5 ciudades, Bogotá, Buenos Aires, Ciudad de México, Madrid y Rio de Janeiro.

Cinco Países, un solo festival

El Festival de Cine 4+1 es un “Festival de festivales” que promueve y organiza FUNDACIÓN MAPFRE de manera simultánea en Argentina, Brasil, Colombia, España y México y tiene como principal propósito recuperar los títulos más significativos del cine de autor más reciente que, pese a su participación en los principales certámenes cinematográficos del mundo, y con frecuencia su reconocimiento explícito a través de galardones de jurados, crítica y público, no consiguen acceder a los circuitos comerciales.
Con esta apuesta por la simultaneidad y el carácter antológico de su programación, el Festival 4+1 quiere celebrar la fuerza del cine como elemento compartido de enriquecimiento cultural y llamar al tiempo la atención sobre el papel esencial de los festivales para sostener e impulsar la cinematografía artística.

Junto a FUNDACIÓN MAPFRE, participan en el festival instituciones de reconocido prestigio cinematográfico que son, en sus respectivos países, punto de referencia en la difusión del cine independiente: en Argentina, el Museo de Arte Latinoamericano (Malba)-Fundación Costantini, de Buenos Aires; el Centro Cultural Banco do Brasil en Rio de Janeiro; la Cinemateca Distrital y Cine Colombia en Bogotá, y la Cineteca Nacional en México.

Cada año, una de estas ciudades tiene el carácter de Sede Oficial del Festival y, como tal, cuenta con la presencia del Invitado de Honor del certamen y aglutina otros actos de carácter protocolario.

¿Quiénes somos?

No siempre cuatro más uno son cinco. No siempre funcionan las reglas de matemáticas que aprendimos en el colegio. No siempre podemos sumar y restar con los dedos y llegar a un resultado lógico y comprobable. Este festival que afronta su segunda edición es una nueva propuesta cultural de FUNDACIÓN MAPFRE: un singular intento en este caso de desmontar, aunque sea temporalmente, las leyes de las matemáticas, de la taquilla, la lógica, el espacio y el tiempo para celebrar el Cine y su enorme potencial como elemento de enriquecimiento personal y colectivo.
Proyecciones simultáneas en lugares muy distantes, personas viendo las mismas películas al mismo tiempo, sin compartir espacio y a miles de kilómetros de distancia. Cuatro más uno, en este caso, no son cinco, sino muchos más espectadores, muchas más salas, cinco países, cinco ciudades y muchas películas. Películas invisibles, perdidas, olvidadas o abandonadas en los rincones del cine mundial. Películas que, pese a haberse proyectado en algunos de los mejores festivales del mundo, no han logrado acceder a una distribución normalizada en las salas, convirtiéndose con el paso del tiempo en trozos de celuloide invisibles y perecederos, en nombres de la interminable lista de lo que quisimos ver, pero no pudimos.
Cuatro más uno es, en definitiva, igual a muchas pantallas que se abren, simultáneamente, en cinco países distintos para acoger a esas películas que merecen la pena ser vistas y que, con esta apuesta, rompen las barreras del espacio y el tiempo para unir lugares distantes y personas que jamás se conocerán, y trazan un pequeño mapa del cine de nuestro tiempo. El que no se ve, pero creemos que debería verse.

Premio del público

El Festival 4+1 otorga un solo galardón: el Premio del Público 4+1 a la mejor película, que se otorga mediante la votación directa del público asistente en las cinco sedes del Festival. Al término de cada proyección, los espectadores indican en una papeleta la valoración que les merece la película que acaban de ver; a partir del recuento de todos los votos emitidos se designa la película ganadora.

El Premio del Público 4+1 a la mejor película está dotado con veinte mil euros y una escultura, obra del artista Alfredo García Revuelva (Madrid, 1961). Realizada en aluminio policromado, la escultura rinde homenaje al cine como obra de arte, reflejando el enorme esfuerzo que supone la creación de la obra y la intensa y meticulosa unión entre el director y esta. García Revuelta, que se define a sí mismo como “artista de corazón, ciudadano del mundo y viajero infatigable”, es uno de los artistas españoles más destacados de su generación.

Contacto:

FUNDACIÓN MAPFRE

Paseo de Recoletos, 23 - 28004 Madrid – España
Tel: +34 915 819 596
festivalcuatromasuno.fundacion@mapfre.com - www.fundacionmapfre.com

Programación y listado de películas:

(Nota del editor: Sólo se dará a conocer la programación presentada en Buenos Aires, para obtener la programación en las otras sedes dirigirse al siguiente link http://www.festival4mas1.com)

-MALBA-

Miércoles 26 de octubre

20:00

Inauguración del Festival de Cine 4+1

(* Sólo con invitación previa)

Paths of Glory

Director: Stanley Kubrick

Guion: Humphrey Cobb, Stanley Kubrick, Calder Willingham

Reparto: Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou

Cinematografía: Georg Krause

Edición: Eva Kroll
Música: Gerald Fried

Título Original: Paths of Glory

Producción: EEUU | 1957

Duración: 86 minutos

Sinopsis:

En el título resuena el verso del poeta romántico Thomas Gray: “Los senderos de la gloria no conducen sino a la tumba”. Esa es en verdad la terrible historia “antibélica” que relata Stanley Kubrick en su cuarto largometraje, a partir de una novela de Humphrey Cobb inspirada a su vez en hechos reales de la Gran Guerra. Desafiando los esquemas de Hollywood, el pesimismo de Kubrick se abre paso en su película más humanista, que Francia consideró un ataque a su honor militar y cuyo estreno prohibió hasta 1976, pasados veinte años de su producción. La guerra es descrita como un infierno de cobardes burócratas que se dedican a enviar a los soldados al matadero y después juzgarles por cobardía. Asistimos espantados a cómo la hipocresía militar y el desprecio a la verdad se imponen sobre inocentes vidas humanas cuando lo que está en juego es un cargo político, una silla a la que agarrarse o, simplemente, el aplauso de los superiores. Pareciera que en las guerras de hoy, aparte del poder de destrucción de las armas, nada ha cambiado desde entonces. (Carlos Reviriego)

CRÉDITOS DE RESTAURACIÓN:
Restaurada por el UCLA Film & Television Archive en colaboración con MGM. Restauración financiada por la Hollywood Foreign Press Association y The Film Foundation

STANLEY KUBRICK (EE UU,1928 – Reino Unido, 1999)
Filmografía: Eyes Wide Shut (1999), Full Metal Jacket (1987), The Shining (1980), Barry Lyndon (1975), A Clockwork Orange (1971), 2001: A Space Odyssey (1968), Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964), Lolita (1962), Spartacus (1960), Paths of Glory (1957), The Killing (1956), Killer’s Kiss (1955), The Seafarers (1953), Fear and Desire (1953), Day of the Fight (1951), Flying Padre: An RKO-Pathe Screenliner (1951)

Jueves 27 de octubre

14:00

Lucía

Director: Niles Atallah

Guion: Niles Atallah

Reparto: Gabriela Aguilera, Gregory Cohen, Eduardo Barril

Cinematografía: Niles Atallah

Edición: Andrea Chignoli, José Luis Torres Leiva

Título Original: Lucía

Producción: Chile | 2010

Duración: 80 minutos

Sinopsis:

Navidades de 2006, Chile. Tres personajes: un padre, una hija y una casa. El silencio y la pesadumbre se han instalado en sus vidas. La hija trabaja en una fábrica textil y el padre permanece inmóvil en la cama. A través de la observación de sus rutinas diarias, Lucía invoca los fantasmas de una generación, la larga sombra del dictador cuyo funeral escuchamos en la radio y vemos en la televisión, como si fueran ausencias todavía demasiado presentes. Con admirable sutileza narrativa y una portentosa dirección artística, el film traza el retrato, entre la esperanza, el dolor y el vacío, de un país atrapado en el pasado, necesitado de una catarsis para dejar atrás ese segundo plano que paraliza sus existencias. (Carlos Reviriego)

Participación en festivales:

2010: Antofagasta, Bratislava, Cine B, Santiago de Chile, Filmfest Hamburg, Nuevo Cine Latinoamericano La Habana, San Sebastián, Semana de Cine Experimental Madrid, Valdivia (Best Director Award)
2011: DIVA, DIFF Viña del Mar, FICIIQQ Rencontres Cinémas d’Amérique – Toulouse (FIPRESCI Award and Coup de Coeur Special Jury Award), Rotterdam

NILES ATALLAH (EE UU, 1978)
Filmografía: Lucía (2010), Lucía, Luis y el lobo (2007-2008), Memoria desierta (2006), Walking in Circles (2003-2005), Journey South (2001-2003)

16:00

Mundane History

Director: Anocha Suwichakornpong

Guion: Anocha Suwichakornpong

Cinematografía: Ming Kai Leung

Edición: Lee Chatametikool

Título Original: Jao nok krajok

Producción: Tailandia | 2009

Duración: 82 minutos

Sinopsis:

Parece una historia sencilla: un chico inválido es atentido por un enfermero en una casa grande y hueca; bajo el mismo techo vive también su padre, con quien no se habla. Sin embargo, es una película llena de universos de significado. Más allá del intercambio escueto que se produce entre los protagonistas, de la quietud inquietante de ese espacio y del desarrollo de la trama en él, la historia trasciende a reflexiones espirituales. Esto sucede de forma orgánica mediante escapes cósmicos y mágicos gracias a su tratamiento visual y sonoro acertadamente radical. Como resultado, esta historia común se convierte en Historia con mayúsculas. Esta ópera prima se sirve de lo particular para reflejar el estado de todo un país: Tailandia. El drama familiar funciona como una alegoría en la que a pesar de las apariencias nada está en el lugar correcto. (Garbiñe Ortega)

Participación en festivales:

2009: Bangkok, Pusan
2010: BAFF Barcelona, Berlin Independent (Intercultural Film Award), Black Movie Geneva, Black Nights Tallinn, Calgary, Cleveland, Distrital, Durban, East Meets West, Edinburgh, Era New Horizons (Grand Prix), Festival on Wheels, Fukuoka Focus on Asia, Golden Horse Taipei (NETPAC Award), Hong Kong, Jogja-NETPAC, Las Palmas de Gran Canaria, Leeds, Maryland, Milano, Moscow, Mumbai (Best Director), Munich, Nantes 3 Continents, New York, Open Doek, Paris, Rotterdam (Tiger Award), San Francisco, São Paulo, Seattle, Singapore, Transilvania (First Prize), Vancouver

ANOCHA SUWICHAKORNPONG (Tailandia, 1976)
Filmografía: Breakfast, Lunch, Dinner (2010), Mundane History (2009), Like. Real. Love (2008), JAI (2007), Graceland (2006), Ghosts (2005), Not a New York Story (2004), Full Moon (2003), Days Like This (2002), 747 (2001)

18:30

Curling

Director: Denis Côte

Guion: Denis Côte

Reparto: Emmanuel Bilodeau, Philomène Bilodeau, Roc LaFortune

Cinematografía: Josée Deshaies

Edición: Nicolas Roy

Título Original: Curling

Producción: Canadá | 2010

Duración: 92 minutos

Sinopsis:

¿Conocéis ese momento de estar frente a una película que parece un drama pero que se convierte en una comedia para pasar a no sabes qué? Pues ésta es una de las características más atractivas de Curling: los cambios de tono sutiles que enriquecen su realización elegante. Inesperada en su guión y sorpresiva en su desarrollo, Curling cuenta la relación particular entre un padre y una hija (brillantemente interpretados) que viven en medio de la nada más fría. La pareja, dependientes el uno del otro y regidos por el miedo obsesivo del padre a cualquier cambio, experimentará un “click” emocional que les llevará a romper su rutina para abrirse curiosos a lo que está por venir…Esta película enigmática, ganadora, entre otros, del Leopardo de Plata en el Festival de Cine de Locarno por mejor dirección, bien merece nuestra inmersión en sus 96 minutos de osadía. (Garbiñe Ortega)

Participación en festivales:

2010: Bangkok, Cinéma du Québec à Paris, Calgary, Ghent, Goa, Hamburg, Ljubljana, Locarno (Best Director, Best Actor), Montreal, Oslo, Rio de Janeiro, São Paulo, Seminci Valladolid, Toronto, Valdivia, Vancouver (Honourable Mention), Vienna
2011: Ankara, BAFICI, Bradford, Budapest, CPH PIX, Distrital, FICUNAM , Göteborg, Hong Kong, IndieLisboa, Jeonju, LaRochelle, Melbourne, Rotterdam, Sofia, St. Petersbourg Film Forum

DENIS CÔTÉ (Canadá, 1973)
Filmografía: Les lignes enemies (2010), Carcasses (2009), Elle veut le chaos (2008), Nos vies privées (2007), Les états mordiques (2005)

20:30

Nostalgia de la luz

Director: Patricio Guzmán

Guion: Patricio Guzmán

Reparto: Gaspar Calas, Lautaro Núñez, Luís Henríquez

Cinematografía: Katell Djian

Edición: Patricio Guzmán, Emmanuelle Joly

Música: Miguel Miranda, José Miguel Tobar

Título Original: Nostalgia de la luz

Producción: Francia, Alemania, Chile | 2010

Duración: 90 minutos

Sinopsis:

Que la memoria es obstinada nos lo enseñó hace muchos años Patricio Guzmán: las huellas de la dictadura de Pinochet, aunque ocultas, escondidas e ignoradas, siguen ahí para quien quiera y sepa buscarlas. Sin rencores, y con el ánimo abierto, porque “recordar ayuda a construir el futuro”, como dijo el propio Guzmán en la presentación de su última película en el Festival de Cannes, el cineasta chileno ha vuelto a enfrentarse al legado siniestro de Pinochet con una de sus películas más luminosas, posible cima, hasta ahora, de una trayectoria de compromiso político y poético, personal y patriótico, con su memoria y la de todo su país. Patricio Guzmán viaja al norte de Chile, a las áridas tierras del desierto de Atacama, para poner en común dos puntos tan distantes en el espacio como cercanos en su trabajo con la memoria: la astronomía y la búsqueda de los cadáveres de los represaliados por la dictadura de Pinochet. Con sus telescopios gigantes, los astrónomos observan el pasado del cielo, la luz que emitieron unas estrellas que quizás ya ni existan, y a su lado, las madres y esposas de los desaparecidos rascan el suelo, miran lo más próximo, en busca también de la memoria del país y sus familias. Nunca la tierra había estado tan cerca de tocar el cielo. Nunca hubo tanta luz en una pantalla de cine. (Gonzalo de Pedro Amatria)

Participación en festivales:

2010: Abu Dhabi (Best Documentary), Biarritz (Audience Award), Bratislava, Brussels (Ciné Découvertes Prize, L’Age d’Or Award), Cannes (François Chalais Prize), DocLisboa, Era New Horizons, Jerusalem, Jilhava, Leipzig, Melbourne, Moscow, Munich, Oslo, Ronda (Special Jury Mention), San Sebastián, Sheffield (Special Jury Mention), Toronto (Audience Award), Wellington & Auckland
2011: Adelaide, BAFICI, Beldodcs, DocAviv, Dublin, Glasgow, Guadalajara (Best Documentary), Hong Kong, Innsbruck, Istanbul, Kosovo DokuFest, Ljubljana, Planet Doc, Santa Barbara (Best Documentary), Taiwan Latino, Utrecht, Zagrebdox

PATRICIO GUZMÁN (Chile, 1941)
Filmografía: José Maza, el viajero del cielo (2010), Oscar Saa, el técnico de las estrellas (2010), María Teresa y la enana marrón (2010), Astrónomos de mi barrio (2010), Chile, una galaxia de problemas (2010), Nostalgia de la luz (2010), Mi Julio Verne (2005), Salvador Allende (2004), Madrid (2002), El caso Pinochet (2001), Invocación (2000), Isla de Robinson Crusoe (1999), Chile, la memoria obstinada (1997), Pueblo en vilo (1995), La cruz del Sur (1992), En nombre de Dios (1986), La rosa de los vientos (1982), La batalla de Chile I-II-III (1972-1979), El primer año (1972)

22:30

Tilva Ros

Director: Nikola Ležaić

Guion: Nikola Ležaić

Reparto: Marko Todorovic, Stefan Djordjevic, Dunja Kovacevic

Cinematografía: Milos Jacimovic

Edición: Nikola Lezaic

Título Original: Tilva Ros

Producción: Serbia | 2010

Duración: 102 minutos

Sinopsis:

Las tres razones por las que hay que ver esta película son precisamente las tres razones por las que muchos espectadores aún no han podido verla: que es una ópera prima, que es de nacionalidad serbia y que está protagonizada por actores adolescentes no profesionales. Y hay que verla porque su valor no está en los nombres ni en nada que forme parte de los alrededores del film, sino que todo el interés que despierta Tilva Roš está debidamente concentrado en la pantalla. La feroz energía de sus imágenes, la implacabilidad de un retrato generacional de aquellos niños que nacieron bajo el ruido de las bombas balcánicas y ahora, en el último verano de sus adolescencias, se enfrentan al final de algo que no saben muy bien qué es. Dos amigos de infancia, y su grupo de skaters, que responden con sentimientos encontrados (rabia, melancolía, violencia y desencanto) ante la precariedad existencial de un futuro que se les antoja imposible. (Carlos Reviriego)

Participación en festivales:

2010: 2 in 1 Film Festival (Best Narrative, Best Film Prize), Bratislava, Cottbus, Gijón (Special Jury Prize), Locarno, Noordelijk (Best Film Prize), Oslo, Sarajevo (Best Film, Best Actor Prize), Thessaloniki, Valdivia, Warsaw, Zagreb.
2011: BAFICI, FICUNAM, Miami, Prague, Rotterdam, San Francisco, Sofía, Transilvania (FIPRESCI Prize)

NIKOLA LEŽAIĆ (Serbia, 1981)
Filmografía: Tilva Roš (2010), Nylon-dressed Ground (2008), The Strongest (2007), Boxer Goes to Heaven (2007), Rain Smoke Man Woman (2005)

Viernes 28 de octubre

14:00

Morgen

Director: Marian Crisan

Guion: Marian Crisan

Reparto: András Hatházi, Yilmaz Yalcin, Elvira Rimbu

Cinematografía: Tudor Mircea

Edición: Tudor Pojoni

Título Original: Morgen

Producción: Rumanía, Francia, Hungría | 2010

Duración: 100 minutos

Sinopsis:

Hay películas cargadas de buenas intenciones que se ahogan bajo el peso de las mismas. Películas sociales, tan preocupadas por el tema, que se olvidan de su propia materia cinematográfica. Morgen podría haber sido una de ellas, podría haberse convertido en una más de tantas películas de denuncia que lavan la conciencia del espectador a base de ensuciar las imágenes con su pornomiseria. Sin embargo, Morgen no es nada de eso, sino todo lo contrario: la demostración de que el cine no ha perdido todavía su capacidad de hacer denuncia, retrato, política, sin dejar de ser cine. O más todavía: la demostración de que el cine puede coger fuerzas en la denuncia de lo real para salir fortalecido. Con fino humor, y sin perder de vista el trasfondo de una Europa que mira con recelo a los que ansían trabajar en ella, Morgen se eleva como una película de amistad al tiempo que una denuncia social. (Gonzalo de Pedro Amatria)

Participación en festivales:

2010: Locarno (Ecumenical Prize, Special Jury Prize), Pusan, Thessaloniki (Best Director, Best Actor, FIPRESCI Prize), Tribeca, Vienna.
2011: BAFICI, CPH PIX, GOEAST (Best Director), Göteborg, Hong Kong, Indie Lisboa, Istambul, Rotterdam, Sarajevo.

MARIAN CRISAN (Rumanía, 1976)
Filmografía: Morgen (2010), Luni (2008), Megatron (2008), Amatorul (2006).

16:00

My Joy

Director: Sergei Loznitsa

Guion: Sergei Loznitsa

Reparto: Viktor Nemets, Vladimir Golovin, Aleksey Vertkov

Cinematografía: Oleg Mutu

Edición: Danielius Kokanauskis

Título Original: Sergei Loznitsa

Producción: Ucrania, Alemania, Países Bajos

Duración: 127 minutos

Sinopsis:

A Sergei Loznitsa el público más curioso le conocerá por su aportación dentro del campo del cine documental, siendo My Joy, película presentada en la competición oficial del Festival de Cannes 2010, su primera ficción propiamente dicha. Rayuela de historias cortas que viaja en el tiempo y en el espacio en aras a construir un mapa moral de la historia de Rusia: la película acaba funcionando como un catálogo de vejaciones que conjuga con tanto estilo como astucia el humor más macabro con el horror de carácter más gélido. Todo ello privilegiando la mirada inquisitiva e impúdica de un Loznitsa dispuesto a no dejar títere con cabeza. (Alejandro G. Calvo)

Participación en festivales:

2010: BFI London, Cannes, Chicago, Cottbus, DocLisboa, Goa, Hamburg, Jerusalem, Karlovy Vary, Kiev (Grand Prix, FIPRESCI Award), Kinoshock Anapa (Best Script Award), Kinotavr Sotchi (Best Director, Award of the Russian Guild of Film Critics “White Elephant”), Listopad Minsk (Grand Prix), Melbourne, New York, Pusan, Recife, São Paulo, Sarajevo, Stockholm, Tallinn (Grand Prix), Tbilisi, Thessaloniki, Toronto, Vancouver, VOICES – Vologda (Grand Prix), Wroclaw, Yerevan (Silver Apricot), Zagreb
2011: Dublin, IndieLisboa, Rotterdam, Trieste

SERGEI LOZNITSA (Bielorrusia, 1964)
Filmografía: My Joy (2010), Northern Light (2008), Revue (2008), Artel (2006), Blockade (2005), Factory (2004), Landscape (2003), Portrait (2002), Settlement (2001), The Train Stop (2000), Life, Autumn (1998), Today We Are Going To Build A House (1996)

18:30

Nénette

Director: Nicolas Philibert

Reparto: Nénette

Cinematografía: Katell Djian, Nicolas Philibert

Edición: Léa Masson, Nicolas Philibert

Título Original: Nénette

Producción: Francia | 2010

Duración: 70 minutos

Sinopsis:

Durante 70 minutos los espectadores de esta película somos felizmente esclavizados: sólo tenemos ojos para Nenétte, una orangutana de Borneo que lleva casi 40 años en el Zoo de París. Este animal, tan parecido a nosotros, recibe cada día a cientos de visitantes que comentan todo tipo de cosas delante de su jaula de cristal: “¿Estará aburrida? ¿Será feliz? ¿Puede vernos?”. Nicolás Philibert lleva el concepto del punto de vista cinematográfico hasta sus últimas consecuencias invitándonos a asistir al juego de espejos que es esta película impecable sobre la mirada y sobre lo que proyecta el que mira. Después de estos 70 minutos fascinantes a uno sólo le cabe preguntarse quién observa realmente a quién. (Garbiñe Ortega)

Participación en festivales:

2010: Berlin, Cambridge, Edinburgh, FIDOCS, Montreal, Morelia, San Francisco, Sidney, Stuttgart French Film Festival, Vienna.
2011: Bratislava, Sofia, Planete Doc, RiverRun, Vienna Francophone Film Festival

NICOLAS PHILIBERT (Francia, 1951)
Filmografía: Nénette (2010), Retour en Normandie (2007) Être et Avoir (2002), L’Invisible (2002) Qui sait? (1998), La Moindre des choses (1996), Un animal, des animaux (1995) Le Pays des sourds (1992), La Ville Louvre (1990), Le Come-back de Baquet (1988), Vas-y Lapébie! (1988), Trilo-gie pour un homme seul (1988), Christophe (1985), La Face nord du Camembert (1985), La Voix de son maître (1978)

20:00

Meek´s Cutoff

Director: Kelly Reichardt

Guion: Jonathan Raymond

Reparto: Michelle Williams, Bruce Greenwood, Paul Dano

Cinematografía: Chris Blauvelt

Edición: Kelly Reichardt

Música: Jeff Grace

Título Original: Meek´s Cutoff

Producción: EEUU | 2010

Duración: 104 minutos

Sinopsis:

Si pudiéramos combinar el clasicismo de Wagon Master (John Ford) con la seducción poética de Days of Heaven (Terrence Malick), obtendríamos algo muy parecido a Meek’s Cutoff. El asombroso talento de Kelly Reichardt para redefinir una road movie –como hizo en Old Joy y en Wendy & Lucy, piezas esenciales del último cine ‘indie’– vuelve a ponerse a prueba en los territorios del género por excelencia del cine norteamericano. Inspirada en un incidente real acontecido en 1845, es esta película no sólo la oscura y polvorienta crónica del nacimiento de una nación, la (micro) historia de los primeros pobladores de Estados Unidos, almas errantes y cuerpos sedientos cruzando un vasto desierto hacia un lugar indeterminado, inexplorado por el hombre blanco. Esta película es también la historia de un género, el western, que aún hoy puede radiografiar con exactitud el alma de una civilización forjada con sueños rotos. Academicismo y experimentalismo, épica y mística, aventura y contemplación en un filme que existe no para ser visto, sino para ser habitado, donde la fotografía realista y la estética pictórica conviven sin conflicto para recomponer los paisajes visuales y, sobre todo, los trayectos morales del western. (Carlos Reviriego)

Participación en festivales:

2010: Austin, Gijón (Best Director Award), London, New York, Stockholm, Toronto, Venice, Vienna
2011: BAFICI, Belfast, Bradford, Florida, Flyover, RiverRun, San Francisco, Sarasota, Sundance, Sydney, Wisconsin.

KELLY REICHARDT (EE UU, 1964)
Filmografía: Meek’s Cutoff (2010), Wendy and Lucy (2008), Old Joy (2006), Travis (2004), Then a Year (2002), Ode (1999), River of Grass (1994)

22:00

Chantrapas

Director: Otar Iosseliani

Guion: Otar Iosseliani

Reparto: Dato Tarielachvilli, Tamura Karumidze, Fanny Gonin

Cinematografía: Lionel Cousin, Julie Grünbaum

Título Original: Chantrapas

Producción: Francia, Georgia | 2010

Duración: 122 minutos

Sinopsis:

URSS, años 50. Nicolás es un director de cine idealista que lucha por hacer sus películas por encima de toda adversidad: se enfrenta al régimen soviético, se exilia en Francia, hasta trabaja en un zoo… Chantrapas es una mirada irónica sobre el cine y sobre los obstáculos políticos y económicos que supone su realización. Es un tierno homenaje a una era ya pasada (o no) y a los medios más palpables que hacen posible la creación de una película: las mesas de edición, el negativo en 35mm, las páginas de los guiones… Esta sátira encantadora está basada ligeramente en la experiencia personal del propio director, el georgiano ya clásico Otar Iosseliani, a quien prohibieron estrenar sus películas en la URSS obligándole a emigrar a Francia a principios de los años 80. Es una película que declara su amor al cine por encima de todas las dificultades del camino. “El cine es una feria encantadora”, afirma Iosseliani; a pesar de todo. (Garbiñe Ortega)

Participación en festivales:

2010: Bienne French Film Festival, Cannes, Ljubljana, Malatya, Montreal, Panorama of European Cinema (Special Prize), Pusan, Taipei Golden Horse.
2011: CPH PIX, Göteborg, Hong Kong, Japan French Film Festival, Istambul, Mar del Plata (Special Jury Prize), Munich, Rotterdam, Sofia, Tromsø.

OTAR IOSSELIANI (Georgia, 1934)
Filmografía: Chantrapas (2010), Gardens in Autumn (2006), Monday Morning (2001), Home Sweet Home (1998), Brigands, chapter VII (1996), Seule, Géorgie (1994), Chasing Butterflies (1992), And Then There Was Light (1989), The Small Monastery in Tuscany (1988), Favorites of the Moon (1984), Euskadi (1983), 7 Pieces for Black & White Cinema (1982), Pastorale (1976), Once a Black Bird (1970), The Fall of Leaves (1966), La Fonte (1964), April (1962), Direction of 10 short-films (1959-1965)

Sábado 29 de octubre

14:00

Belle Épine

Director: Rebecca Zlotowski

Guion: Rebecca Zlotowski , Gaëlle Mace

Reparto: Léa Seydoux, Anaïs Demoustier, Agathe Schlenker

Cinematografía: Georges Lechaptois

Edición: Julien Lacheray

Música: Rob

Título Original: Belle Epine

Producción: Francia | 2010

Duración: 80 minutos

Sinopsis:

Lo primero que llama la atención de la película de Zlotowski es la dictadura estética que impone el rostro de su protagonista: una joven que aprisiona y abstrae sus sentimientos con la actitud de un personaje de Philippe Garrel o de Maurice Pialat. Un ángel cuya vida soñada tiene cabida entre carreras de motos, fugaces encuentros sexuales, desafíos a todo tipo de autoridad… es por ello que la película tiene apariencia de catarsis expeditiva cuando en el fondo no es más (ni menos) que un alegato romántico a la experiencia límite, a la vida en el filo. De ahí su estética de los años ochenta estadounidenses y su palpitante aroma de tragedia que empapa las imágenes hasta tal punto que las reformula… hacia algo parecido a una mínima esperanza. (Alejandro G. Calvo)

Participación en festivales:

2010: Cannes, Festival of Jewish Cinema Sydney & Melbourne, France Odeon, Fench Cinepanorama, Lima, Scanorama, Vancouver, Zurich
2011: BAFICI, Distrital, Febiofest, French Film Festival Stockholm, French Speaking Film Festival Wien, New Directors / New Films, Rendez-vous du cinema français Rome, Seattle

REBECCA ZLOTOWSKI (Francia, 1980)
Filmografía: Belle Épine (2010)

16:00

Hotaru

Director: Naomi Kawase

Guion: Naomi Kawase

Reparto: Yûko Nakamura, Toshiya Nagasawa, Miyako Yamaguchi

Cinematografía: Masami Inomoto

Edición: Naomi Kawase

Música: Naomi Kawase, Naomi Matsuoka

Título Original: Hotaru

Producción: Japón | 2009

Duración: 117 minutos

Sinopsis:

En 2009, Naomi Kawase volvió a enfrentarse a una de sus películas más queridas, Hotaru, para remontarla en una nueva versión, que se presentó mundialmente en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes de ese mismo año. Hotaru, que significa luciérnaga, es también un juego de palabras entre dos símbolos, “hi”, que significa fuego, y “tareru”, que significa colgar, caer o dejar atrás. Así, la luciérnaga del título suena también a algo como “fuego que cae”: esas llamaradas con las que arranca y termina la película, luciérnagas de fuego en una noche oscura. O quizás, esa cámara que baila al ritmo de los personajes, como la palpitación de un corazón, buscando sus destellos de luz, esas llamaradas con las que, como luciérnagas en busca de pareja, hacen señas confiando en que alguien les vea. (Gonzalo de Pedro Amatria).

Participación en festivales:

2000: Locarno (FIPRESCI Prize, Golden Leopard Award)
2001: Buenos Aires (Best Actress), Göteborg, Rotterdam.
2007: Sitges
2009: Cannes, Raindance

NAOMI KAWASE (Japón, 1969)
Filmografía: Hanezu no tsuki (2011), Genpin (2010), Hotaru 2009 version (2009), Koma (2009), In Between Days (2009), Seven Nights (Nana yo machi) (2008), The Mourning Forest (Mogari no mori) (2007), Tarachime – birth/mother (2006), Shadow (Kage) (2004), Shara (Shara sôju) (2003), Letter from a Yellow Cherry Blossom (Tsuioku no dansu) (2002), Sky, Wind, Fire, Water, Earth (Kya ka ra ba a) (2001), Hotaru (2000), Manguekyo (1999), The Weald (1997), Moe no suzaku (1997), Hi wa katabuki (1996), This World (1996), Memory of the Wind (Kaze no kioku) (1995), Ten, mitake (1995), Katatsumori (1994), White Moon (1993), Embracing (Ni tsutsumarete) (1992), Like Happiness (Shiawase modoki) (1991), The Girl’s Daily Bread (Megami Tachi-no-pan) (1990), A Small Largeness (Chiisana ôkisa) (1989), Presently (Ima) (1989), My Solo Family (Tatta hitori no kazoku) (1989), Papa’s Icecream (Papa no sofuto kurîmu) (1988), My J-W-F (1988), The Concretization of these Things Flying around me (Watashi ga ikiiki to kakawatte ikô to suru jibutsu no gutaika) (1988), I Focus on that which Interests me (Watashi wa tsuyoku kyômi o motta mono o ôkiku fix de kiritoru) (1988).

18:30

Color perro que huye

Director: Andrés Duque

Guion: Andrés Duque

Reparto: Will More, Jaume Rubín de Celis, Amada Granado

Cinematografía: Andrés Duque

Edición: Andrés Duque

Título Original: Color perro que huye

Producción: España | 2011

Duración: 70 minutos

Sinopsis:

Era un secreto a gritos desgarrados (lo que puede significar que, de secreto, nada de nada) que el debut en el campo del largometraje del multipremiado cineasta Andrés Duque iba a ser algo tremendamente importante. Pero seguramente lo que nadie se esperaba encontrar era esto: una obra que a la vez que transgrede todos los formatos conocidos, sienta las pautas de un cine futuro cuyas principales armas son el riesgo pasional (casi suicida), la inteligencia estética (a la hora de captar emociones en imágenes y viceversa) y el poder sadiano de la mirada (una reformulación que arrancaría en Dziga-Vertov hasta llegar a Chris Marker). Una apología de la libertad creativa de la que todos -cineastas, críticos, espectadores- deberíamos aprender. (Alejandro G. Calvo)

Participación en festivales:

2011: FIDOCS, Las Palmas, Punto de Vista (Audience Award), REC, Rotterdam, Vienna.

ANDRÉS DUQUE (Venezuela, 1972)
Filmografía: Color perro que huye (2011), All you Zombies (2008), No es la imagen es el objeto (2008), La constelación Bartleby (2007), Landscapes in a Truck (2006), Paralelo 10 (2005), Iván Z (2004), República independiente (2000)

20:00

Outrage

Director: Takeshi Kitano

Guion: Takeshi Kitano

Reparto: Beat Takeshi, Kippei Shiina, Ryo Kase

Cinematografía: Katsumi Yanagijima

Edición: Takeshi Kitano, Yoshinori Ohta

Música: Keiichi Suzuki

Título Original: Autoreiji

Producción: Japón | 2010

Duración: 109 minutos

Sinopsis:

Hacía falta, eso que quede claro. Y no es por atacar las elaboradas reflexiones metalingüísticas de carácter brechtiano que Takeshi Kitano nos ha entregado esta última década: las películas, quizás están bien, quizás no, qué más da. Lo que de verdad importa –lo que los fans, que los tiene y muchos, en realidad deseaban– era el regreso de Beat Takeshi, el salvaje yakuza capaz de arrasar cual tsunami a todos y cada uno de sus contrincantes; empezando por él mismo. Demos gracias, pues, a esta Outrage que nos devuelve en estado puro al Kitano más implacable, irascible e hiperviolento que hemos conocido. Amén. (Alejandro G. Calvo)

Participación en festivales:

2010: Art Film Slovakia, Austin Fantastic Fest, Cannes, Dubai, Fantastic Film Fest Germany, Hong Kong, Los Angeles AFI Fest, Mar del Plata, Mumbai, Philadelphia, Pusan, São Paulo, Sitges, Stockholm.
2011: Reggio Emilia, Rotterdam, San Francisco, Yokohama.

TAKESHI KITANO (Japón, 1947)
Filmografía: Outrage (2010), Achilles and the Tortoise (2008), Glory to the Filmmaker! (2007), Chacun son cinéma (segment One Fine Day, 2007), Takeshis’ (2005), Zatoichi (2003), Dolls (2002), Brother (2000), Kikujiro (1999), Hana-bi (1997), Kids Return (1996), Getting Any? (1995), Sonatine (1993), A Scene at the Sea (1991), Boiling Point (1990), Violent Cop (1989).

22:00

King of Devil´s Island

Director: Marius Holst

Guion: Dennis Magnusson

Reparto: Stellan Skarsgard, Benjamin Helstad, Kristoffer Joner

Cinematografía: John Andreas Andersen

Edición: Michal Leszczylowski

Música: Johan Söderqvist

Título Original: Kongen av Bastøy

Producción: Noruega, Francia, Polonia, Suecia |2010

Duración: 115 minutos

Sinopsis:

En línea con las mejores producciones de calidad del cine europeo, esta película noruega cruza con extraordinaria solvencia el género carcelario con la alegoría política y la recreación histórica. Situada en 1915, toda la acción se desarrolla en un correccional en una isla de los fiordos noruegos, al que van a parar jóvenes delincuentes y niños cuyo único delito es haber nacido pobres. Dirigido con mano firme por el gobernador de la isla (interpretado por la estrella europea Stellan Skarsgård), la disciplina, el trabajo duro y los castigos físicos en un entorno de extrema frialdad son el credo diario del internado. La llegada del indomable Erling (un magnético Benjamin Heistad) al reformatorio desencadenará el enfrentamiento entre los monstruos de la represión y aquellos que están dispuestos a luchar por su libertad. (Carlos Reviriego)

Participación en festivales:

2011: Busan, Copenhagen Buster FF, Edinburgh, Giffoni, Göteborg (Kodak Nordic Vision Award), Montréal – Fantasia IFF, Mostra de Valencia (Palmera de Oro), Mumbai, New York Norwegian Film Week, Rotterdam

Domingo 30 de octubre

14:00

Familystrip

Director: Lluís Miñarro

Reparto: Maria Luz Alberto Calvo, Frnacesc Miñarro Bermejo, Lluís Miñarro

Cinematografía: Christophe Farnarier, Pablo Pérez de Lara

Edición: Sergi Dies

Título Original: Familystrip

Producción: España | 2009

Duración: 70 minutos

Sinopsis:

Quizás para ser (buen) productor de cine haya que haber conocido antes el oficio del cineasta y el oficio del actor. Filmar y ser filmado antes de producir. Luis Miñarro, uno de los pocos productores de riesgo que ha dado el cine español en los últimos años, acompañante y compañero de cineastas como Apichatpong Weerasethakul, Lisandro Alonso, Manoel de Oliveira, y muchos otros, se aventura con esta película a filmar y ser filmado al mismo tiempo. Tomando como excusa un retrato de él con sus padres, ya ancianos, Miñarro decide filmar las largas sesiones de posado para conservar esas horas como recuerdo de familia. Unas imágenes en origen privadas que terminaron formando una película en la que, a través del tiempo y las conversaciones, las charlas familiares dejan ver el retrato de toda una época, el cambio generacional, ético y político de todo un país. (Gonzalo de Pedro Amatria)

Participación en festivales:

2009: Cali, Cineuropa (Audience Award), Cinemed, Karlovy Vary, Montenegro, San Sebastián
2010: Cinespaña-Toulouse (Jury Special Mention), Las Palmas, London, Málaga, Punta del Este, São Paulo, Tetouan
2011: Curt.doc, Nantes Spanish Film Festival

LLUÍS MIÑARRO (España, 1949)
Filmografía: Familystrip (2009), Blow Horn (2009)

15:30

Genpin

Director: Naomi Kawase

Guion: Naomi Kawase

Reparto: Tadashi Yoshimura

Música: Rocket Matsu

Título Original: Genpin

Producción: Japón | 2010

Duración: 92 minutos

Sinopsis:

Genpin es un documental que recoge la fascinante experiencia de la preparación para el parto natural de un grupo de mujeres en Japón. Con gran respeto por ese momento sagrado, Naomi Kawase nos hace testigos de la preparación de todos sus cuerpos: el físico, el mental, el emocional y el espiritual. Un trabajo intenso y necesario que creará fuertes lazos con la nueva vida. Bajo la guía del Doctor (y gurú) Yoshimura, las mujeres meditan, aceptan y se adentran en lo que supone ser madre, asumiendo incluso lo más doloroso: la pérdida. Esta bella película habla de una filosofía de vida, de una forma de estar en el mundo y del milagro de dar a luz, nunca antes tan literal. Porque, como dice Kawase, todos somos los elementos de la naturaleza y nos vamos reencontrando. (Garbiñe Ortega)

Participación en festivales:

2010: Dubai, Firenze Festival dei Popoli, San Sebastián (FIPRESCI Prize), Stockholm, Toronto, Valdivia.
2011: Art Film Slovakia, Barcelona Intnal. Women’s FF, Brussels Cinematec, Docaviv, FIDOCS Chile, Kino Otok-Isola Cinema FF, Open Doek, Poland Planete Doc, RiverRun (Best Cinematography), Rotterdam, St. Petersburg Kinoforum, Thessaloniki, Two Riversides Poland, Vilnius IFF Kino Pavasaris.

17:30

Shara

Director: Naomi Kawase

Guion: Naomi Kawase

Reparto: Kohei Fukunaga, Yuka Hyoudo, Naomi Kawase

Cinematografía: Yutaka Tamasaki

Edición: Shotaru Anraku, Naomi Kawase, Tomoh Snajo

Música: Ua

Título Original: Shara sôju

Producción: Japón | 2003

Duración: 99 minutos

Sinopsis:

La historia del mundo podría contarse, por ejemplo, enlazando unas tras otras, estampas, cuadros, fotografías y secuencias de bailes. Gente que se deja llevar por la música, gente encorsetada, gente que baila para alcanzar lo divino, gente que baila para dejar atrás lo humano, para reír, para no llorar, para festejar o para demostrar respeto. En su segunda película de ficción tras una esplendorosa carrera documental, Naomi Kawase retrata el duelo emocional de una familia que, a la postre, encontrará en el baile la manera de exorcizar sus demonios. La deslumbrante puesta en escena y los planos secuencia con los que Kawase acompaña a esta familia, convierte esta historia del duelo por la muerte de dos hijos gemelos en un exorcismo pausado y danzarín. (Gonzalo de Pedro Amatria)

Participación en festivales:

2003: Cannes, CineAsia Köln, Edinburgh Asian Series, Golden Horse Taipei, Haifa, Hawaii, Rio, Toronto, Viennale.
2004: BAFF Barcelona, Film From the South – Norway, Goteborg, Hong Kong, Infinity Film Fest, Jakarta, Mexico, Rotterdam.
2006: Manderlay Film Fest.

20:00

Asalto al cine

Director: Iria Gómez Concheiro

Guion: Iria Gómez Concheiro , Juan Pablo Gómez

Reparto: Gabino Rodríguez, Juan Pablo de Santiago, Ángel Sosa

Cinematografía: Alberto Anaya

Edición: Luciana Jauffred Gorostiza, Francisco X.Rivera

Título Original: Asalto al cine

Producción: México | 2010

Duración: 110 minutos

Sinopsis:

Los protagonistas de esta ópera prima, jóvenes b-boys que sobreviven en los arrabales del D.F., podrían ser perfectamente los nietos aventajados de Los olvidados de Buñuel, salvo que, en pleno siglo XXI, lo que les divierte es ser tan malotes como los gángsters de Mean Streets de Scorsese, cambiando el rythmn ‘n’ blues setentero por los ritmos hip-hop de la edad moderna. A medio camino entre el retrato social y el thriller de bajo presupuesto –piensen en Barrio y acertarán– Asalto al cine subyuga por su condición de película sin salida, un retrato en bruto, casi romo, de cómo a los desafortunados ni siquiera se les está permitido soñar. (Alejandro G.Calvo)

Participación en festivales:

2010: Rencontres Toulouse (Ciné Cinéma Award), San Sebastián – Cine en construcción (Casa de América Award)
2011: Cartagena de Indias (Best Actor), Ceará, Guadalajara (Mayahuel Award), Houston Latin Wave, Monterrey, New York Latino, São Paulo, Sundance.

IRIA GÓMEZ CONCHEIRO (México, 1979)
Filmografía: Asalto al cine (2010), En punto (2008), La changa (2007), Dime lo que sientes (2006), Primavera joven (2005), Taglionetto (2004), Los evangelistas (2003), Memoria del olvido (2002).

22:00

Sesión de clausura del Festival de Cine 4+1

Entrada General: $18 – Estudiantes y Jubilados: $9
AVISO: La programación puede sufrir alteraciones por imprevistos técnicos.

MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) - Buenos Aires, Argentina
Avenida Figueroa Alcorta 3415 C1425CLA - +54 (11) 4808-6500

* Información extraída de la página oficial del Festival de Cine 4+1 - Para más información visitar el link: http://www.festival4mas1.com - Información técnica obtenida de Internet Movie Database webpage – Posters obtenidos de MoviePostersDB http://www.movieposterdb.com