Cochó
Director: Jhonny H. Hinestroza
Guión: Jhonny H. Hinestroza , Alfonso Acsota
Reparto: Karent Hinestroza, Esteban Copete, Fabio García, Daniela Mosquera, Jesús Benavides
Cinematografía: Paulo Perez
Título original: Cochó
Producción: Colombia | 2012
Duración: 80 minutos
Chocó es el nombre de un departamento colombiano que posee unos paisajes de una belleza cautivadora. Los cielos teñidos de rojos, el verde fresco que todo lo inunda, el agua que corre por ríos y caños. Pero Chocó es también el nombre de la protagonista, una mujer con la dureza de piel y de alma suficientes para afrontar la lucha cotidiana de llevar adelante la vida familiar con sus dos hijos, debiendo soportar al mismo tiempo la presencia de un marido que la utiliza para un sexo de desahogo en sus noches de fiesta y alcohol. Chocó trabaja en minería, atiende las tareas domésticas y apoya el estudio de los hijos, mientras su hombre juega y bebe, con escasos ratos dedicados a la música. La fuerza de esta mujer no conoce límites y desborda algunos de ellos cuando debe conseguir de cualquier forma el pastel para celebrar los siete años de su niña. El hombre ensaya el reclamo por el dinero oculto que cree reconocer en esa compra, aumentando el agobio y el acoso a Chocó. En silencio, sin pronunciar palabras, la mujer va agotando su capacidad de resistencia y paciencia. La próxima agresión del marido será la definitiva y en ella. Se cumplirá la gran venganza, la ruptura con su papel sumiso y tolerante. El fuego liberador, ya anticipado en un plano previo, devora la casa y simbólicamente lo que ha sido la vida esclava y dependiente de la mujer. Una excelente ópera prima que recupera paisajes y geografías prácticamente inéditas en el cine colombiano.
Sobre el director:
Jhonny Hendrix Hinestroza, comunicador social con 15 años de experiencia en la producción cinematográfica. En el año 2003 creó la productora Antorcha Films en Cali, Colombia. Aunque con anterioridad había dirigido el cortometraje Cuando llegan los muchachos, Chocó es su ópera prima.
El año del tigre
Director: Sebastián Lelio
Guión: Gonzalo Maza
Reparto: Luis Dubo, Sergio Hernández, Viviana Herrra
Cinematografía: Miguel Ioan Ittin
Música: Cristobal Carvajal
Título original: El año del tigre
Producción: Chile | 2011
Duración: 82 minutos
En febrero del 2010 se produjo un terremoto devastador en Chile y el subsiguiente tsunami. La película sorprende por la rapidez de reacción del cine para ocuparse de ciertos hechos y por la originalidad de la historia que se ubica en ese momento histórico preciso. Manuel es un hombre que purga una larga pena en una cárcel de la zona, en unas condiciones cuya dureza se percibe desde el momento de la visita de la esposa y a través del trato con los compañeros de prisión. Con el terremoto, las paredes del reclusorio se vienen abajo y este hombre solitario debe enfrentarse a un escape en medio de paisajes de una destrucción apocalíptica, en busca de sus seres amados: la madre, la esposa y su hija Tatiana. La situación extrema a la que se enfrenta el personaje radicaliza la pregunta acerca de lo que puede hacer un hombre como Manuel con su libertad, pregunta que adquiere su sentido en la relación que establece con el único ser que encuentra en su fuga: el capataz de una hacienda agrícola. La repetición de lo que parece un canto religioso aumenta la intención de teñir el filme de un aire metafísico.
Sobre el director:
Sebastián Lelio (Mendoza, Argentina, 1974), graduado en la Escuela de Cine de Chile. Su ópera prima, La Sagrada Familia, un largometraje grabado en tres días y editado en más de un año que fue premiado en más de 30 festivales, entre ellos San Sebastián. Su segundo largometraje Navidad (2009) también recibió numerosos galardones.
El Estudiante
Director: Santiago Mitre
Guion: Santiago Mitre
Reparto: Esteban Lamothe, Romina Paula, Valeria Correa, Ricardo Felix
Cinematografía: Gustavo Biazzi
Edición: Delfina Castagnino
Música: Las Natas
Título Original: El Estudiante
Producción: Argentina |2011
Duración: 124 minutos
El joven Roque llega desde la provincia a la Universidad de Buenos Aires para estudiar Ciencias Sociales. Su timidez y desconcierto iniciales se van pronto superando con la ayuda de una compañera de estudios que le proporciona alojamiento e iniciación sexual. Cuando parece que Roque pude ser uno más en medio de la multitud, el joven se enamora de una profesora que le descubre y lo acerca a una de las actividades más fuertes y pasionales de todas: la política. Roque entra en ella poco a poco, pero pronto comienza a ascender y va revelando en el camino unas capacidades innatas y naturales para su ejercicio. El punto más alto del aprendizaje, y la más clara manifestación del talento del estudiante, se marca con su participación en la elección del nuevo rector de la Universidad. Se le puede llamar un proceso de conocimiento o de corrupción, pero lo que sí es seguro es que se trata de un proceso de pérdida de la inocencia. Cuando la película termina, Roque está listo para volar solo. Ha aprendido lo que es la política y ha dejado de ser el muchacho ingenuo que llegó a la universidad tiempo atrás. El director se centra en su personaje de forma obsesiva, la cámara lo sigue, asumiendo su propia perspectiva, subjetivizando el relato. El ritmo logrado es fascinante y el actor Esteban Lamothe se apropia a fondo de su personaje. Ganadora de varios premios en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires y en el de Locarno.
Premios:
2011: Festival de Gijón: Mejor película (ex-aequo), guión y Premio del jurado joven
2011: Festival de Locarno: Premio Especial del Jurado
Sobre el director:Santiago Mitre (Buenos Aires, Argentina, 1980), editor, guionista de cortos y series para televisión y guionista y director de cine. El Estudiante es su ópera prima, tras ser co-guionista de las películas Carancho (2010) y Leonera (2008), candidatas al Premio Sur (Argentina) al mejor guion original.
El lenguaje de los machetes
Director: Kyzza Terrazas
Guión: Kyzza Terrazas
Reparto: Andrés Almeida, Jessy Bulbo
Cinematografía: Christian Rivera
Música: Jessy Bulbo
Título original: El lenguaje de los machetes
Producción: México | 2011
Duración: 82 minutos
Nacido en Nairobi y formado en los Estados Unidos, el director Kizza Terrazas sorprende con un promisorio inicio mediante esta película. Su experiencia como guionista en Déficit, de Gael García, es su principal carta de presentación, un antecedente que cede ante los valores de su ópera prima. Presente en la Semana de la Crítica de Venecia 2011, se trata de un filme con ambiciones que pretende ser un cuadro generacional narrado a través del desencanto de una pareja joven que camina por los treinta años y que no encuentra un acomodo en el mundo diario en que vive. Ramona tiene un grupo de rock, él escribe y ejerce de fotógrafo. Ella viene de un hogar sencillo, con un padre desaparecido en los años setenta, él pertenece a una familia acomodada. El amor que se profesan como pareja no impide los desencuentros, bien por hábitos de vida o por la idea de si tener un hijo o no. Al final, ese desajuste, la falta de funcionalidad, se resuelve con el intento de una temeraria acción política, algo que los conducirá a un callejón sin salida. La película está estructurada a partir de un largo flash back inicial, con una cámara cerrada que transmite con eficacia la sensación de opresión y de incomodidad en que se mueve la pareja protagonista.
Sobre el director:
Kyzza Terrazas (Nairobi, Kenya, 1977), escritor y cineasta. Ha vivido y trabajado la mayor parte de su vida en México. Graduado con honores en filosofía por la Universidad Nacional Autónoma de México por su trabajo sobre melancolía y filosofía. Durante sus estudios trabajó como escritor freelance. En 1997 publicó su primer libro de relatos cortos El primer ojo.
Heleno
Director: José H. Fonseca
Guión: José H. Fonseca , Felipe Bragança, Fernando Castets
Reparto: Rodrigo Santoro, Alinne Moraes, Angie Cepeda
Cinematografía: Walter Carvalho
Música: Berna Ceppas
Título original: Heleno
Producción: Brasil | 2011
Duración: 116 minutos
El fútbol en Brasil es una pasión nacional y esa pasión se alimenta con ídolos que se construyen a lo largo de los días y los años. En esa lista de grandes íconos están Pelé, Garrincha, Zico y muchos otros, pero antes que ellos estuvo Heleno de Freitas. Célebre por su belleza, su inteligencia y su capacidad de seducción, el jugador fue la figura máxima de Botafogo, estuvo también en Fluminense, Vasco de Gama, Boca Juniors de Argentina y alcanzó a pasar hacia 1950 por el Junior de Barranquilla. Ese hombre que estuvo siempre, gracias a sus condiciones innatas de jugador y a sus atributos físicos muy cerca del cielo, fue quizás una víctima más de los efectos que producen las alturas de la fama y la popularidad. Su muerte en un sanatorio en 1959 afectado por una sífilis, fue apenas la última de sus desgracias. El director José Henrique Fonseca vuelve a la figura de Heleno y lo hace con un relato fragmentado que narra momentos de la vida del ser humano, dejando un poco de lado su parte estrictamente profesional. Esta suerte de retrato discontinuo deja al final una sensación de tristeza, de existencia destrozada por los propios errores. Rodrigo Santoro obtuvo con su caracterización, el premio de mejor actor en la Habana en una película en la que también destaca la fuerza de la actuación de la colombiana Angie Cepeda.
Sobre el director:José Henrique Fonseca (Brasil), director ejecutivo, productor y guionista de Mandrake (2005 y 2007), la primera serie de HBO producida en Brasil y emitida en USA, nominada en los Emmys. Codirector de Cachorro (1998), del documental Caetano Veloso - 50 años y de diversas miniseries para televisión y videoclips. Su primer largo El hombre del año (2003) fue premiado en numerosos festivales.
Historias que so existem quando lembradas
Director: Julia Murat
Guión: Julia Murat, María Clara Escobar, Felipe Sholl
Reparto: Sonia Guedes, Lisa E.Fávero, Luiz Serra
Cinematografía: Lucio Bonelli
Título original: Historias que so existem quando lembradas
Producción: Brasil, Argentina, Francia | 2011
Duración: 98 minutos
Los primeros minutos de la película poseen un carácter casi documental. En ellos se recoge el testimonio de las vidas cotidianas y sencillas de un grupo de personas mayores en un pueblo perdido en las estribaciones de una montaña brasilera. Allí, parece que ya nadie se muere y de pronto el espectador se encuentra, igual que en la novela Pedro Páramo, en un lugar habitado solo por fantasmas. En esa doble línea, sutil y frágil, trabaja Julia Murat, proponiendo dos lecturas sobre este grupo de seres humanos. La llegada de la joven Rita a tomar fotografías y a tratar de registrar lo que allí sucede, es el pretexto para acercarse a un poblado en el que el cementerio se encuentra ya cerrado bajo llave. Un filme con una excelente fotografía y con una música que también remite a los movedizos terrenos del pasado. A pesar de su juventud, la directora lleva tiempo transitando los caminos del cine con su madre Lucía Murat, y descubriendo prematuramente muchas de las claves del oficio de la realización.
Sobre la directora:Julia Murat (Rio de Janeiro, Brasil, 1979), diseñadora gráfica y Guionista. Tras pasar por el mundo del cortometraje, el video experimental, los comerciales y las video-instalaciones, realiza en 2008 su primer largo documental, Dia dos Pais, premiado en Cinéma du Reel. Historias que solo existen cuando se recuerdan (2011), es su primer largometraje de ficción.
Iceberg
Director: Gabriel Velázquez
Guión: Gabriel Velázquez
Reparto: Jesus Nieto, Carolina Morocho
Cinematografía: David Azcano
Título original: Iceberg
Producción: España | 2012
Duración: 84 minutos
La cámara registra el avance veloz de un coche, se presiente el riesgo de un accidente hasta que finalmente ocurre. A partir de esa pérdida humana, que dejará a alguien en la orfandad, la película se aplica al registro de la vida cotidiana de cuatro jóvenes cuyos destinos se cruzan de forma escasa y, sin embargo, significativa. Cada uno de ellos cultiva su propia soledad, a pesar de la aparente compañía que Rebeca tiene con las amigas de la Escuela. Una circunstancia física los vincula a todos: la presencia del río Tormes en Salamanca. Alrededor de sus aguas se mueve buena parte de una trama breve, escasa, y que en cada momento apunta hacia realidades más profundas y amplias. De ahí lo importante del título de la película, que hace una directa alusión a que muchas veces vemos sólo la punta e ignoramos todo lo que permanece oculto, sumergido. Construida a partir de los recuerdos personales del director, el tono íntimo corresponde a una decisión de hablar en voz baja, sin estridencias. El trabajo con actores no profesionales refuerza la voluntad de guardar una fidelidad al mundo que se conoció y al que, de alguna forma, se sigue perteneciendo. El esfuerzo de la labor de edición se siente en la austeridad final de un relato al que no parece faltarle o sobrarle un solo plano. “Es una película poética y salmantina. Es río Tormes y poesía”, ha dicho el director, en palabras que nos dan una imagen cabal de ella.
Premios:
2011: Festival de Gijón: Mención especial del jurado
Sobre el director:
Gabriel Velázque (Salamanca, España, 1968), con su primer corto En Madison siempre es lunes (1996) obtuvo el Premio Luis Buñuel de Cinematografía. Produjo el documental De Salamanca a ninguna parte (2002) de Chema de la Peña, nominado a los Goya. En 2005, también con Chema de la Peña, produce, dirige y escribe Sud Express, premiado en San Sebastián, donde repite participación con Amateurs (2008).
La voz dormida
Director: Benito Zambrano
Guión: Benito Zambrano , Ignacio del Moral (novela: Dulce Chacón)
Reparto: Inma Cuesta, María León, Marc Clotet
Cinematografía: Alex Catalán
Título original: La voz dormida
Producción: España | 2011
Duración: minutos
Tensi está embarazada y presa durante la postguerra española. Su hermana, ajena a la política aparece para ayudarla. Una conmovedora historia de solidaridad en el más inhumano de los mundos.
Premios:
2011: Premios Goya: 9 nominaciones, incluyendo Mejor película y director
2011: Festival de San Sebastián: Sección oficial a concurso
Sobre el director:Benito Zambrano (Lebrija, Sevilla, España, 1965), guionista y Director. Fue estudiante de arte dramático. Su consagración en el cine le llegó de la mano de Solas (1998), con la que recibió cinco premios Goya. Tras ella vinieron Padre Coraje (2002) y Habana Blues (2005).
Las Acacias
Director: Pablo Giorgelli
Guion: Pablo Giorgelli , Salvador Roselli
Reparto: Germán de Silva, Hebe Duarte, Nayra Calle Mamani
Cinematografía: Diego Poleri
Edición: María Astrauskas
Título Original: Las Acacias
Producción: Argentina, España | 2010
Duración: 85 minuto
En el inicio se siente el ruido de las motosierras, luego se ven los planos de los grandes árboles que se talan para sacar madera. Esa es la carga que Rubén, un hombre solitario de gestos callados y repetidos, lleva de Asunción a Buenos Aires una y otra vez. En esta ocasión su patrono le ha pedido que transporte a una mujer, quien aparece con una niña de brazos. Este viaje no será uno más. Algo irá sucediendo y con ello, Rubén conocerá un cambio en su rutina, una variación que apunta a una cierta humanización que quizá había perdido. Es poco lo que sucede, pero suficiente para que en la conciencia del espectador quede grabado el sentido de este reconfortante debut de Pablo Giorgelli, un editor que da un prometedor salto a la realización con una película de una absoluta precisión en sus encuadres y en su ritmo narrativo. La Cámara de Oro en Cannes como mejor ópera prima, fue apenas el inicio de un recorrido por festivales pletórico de elogios y premios.
Premios:
2011: Festival de Cannes: Cámara de Oro (Mejor ópera prima)
2011: Festival de San Sebastián: Mejor película (sección "Horizontes latinos")
2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
Sobre el director:Pablo Giorgelli (Buenos Aires, Argentina, 1967), estudió dirección de cine, actuación, edición y guión. Ha participado como director y guionista en varios cortometrajes y documentales. Fue el editor de Moebius (1995), de Gustavo Mosquera y de Solo Por Hoy (2001) de Ariel Rotter. Las Acacias es su ópera prima como director.
Las malas intenciones
Director: Rosario García-Montero
Guión: Rosario García-Montero
Reparto: Fátima Buntinx, Katerina D´Onofrio, Paul Vega
Cinematografía: Rodrigo Pulpeiro
Título original: Las malas intenciones
Producción: Perú, Argentina, Alemania | 2011
Duración: 106 minutos
Perú años 1982 y 1983. Cayetana, una niña de ocho años, espera el nacimiento de un hermano que no desea, hijo de su madre separada y de su nuevo marido. La llegada del intruso rompe el precario equilibrio de la vida de esta niña que vive en medio de sus fantasías de héroes nacionales que murieron despedazados o que lograron firmar acuerdos de paz transitorios y frágiles. La directora Rosario García-Montero consigue transitar con ellos peligrosos caminos en el reflejo de la vida de una niña que siente los desarreglos de la vida familiar, expresados de una manera no directa, y de los que se salva por el poder de su imaginación. Las malas intenciones a las que alude el título son las de Cayetana, dispuesta a defenderse, incluso agrediendo, de lo que ella siente como una verdadera amenaza personal y apoyada en la amistad de una compañera de colegio que padece una grave enfermedad. El humor de los diálogos ayuda a la realizadora y le permite mantener una liviandad que impide que la acción se vuelva excesivamente densa y dramática. Como suele suceder en esos casos, los excelentes resultados del trabajo de la niña Fátima Buntinx son un acierto atribuible fundamentalmente al talento y capacidad de la directora, en una ópera prima que marca el arranque de una prometedora carrera profesional. Aplaudida en Berlín el año pasado y declarada Mejor Película Latinoamericana en el festival de Cine de Mar del Plata.
Sobre la directora:Rosario García-Montero (Lima, Perú), estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima y luego continuó su aprendizaje de cine en la New School de Nueva York desde donde dirigió sus multipremiados cortometrajes Locked (2002) y Are You Feeling Lonely? (2003). Luego vino Perfidia (2005). Las malas intenciones es su ópera prima.
Porfirio
Director: Alejandro Landes
Guión: Alejandro Landes
Reparto: Porfirio Ramírez Aldana, Jarlinsson
Cinematografía: Thimios Bakatakis
Título original: Porfirio
Producción: Colombia, España, Argentina, Uruguay, Francia | 2011
Duración: minutos
En el año de 1991 Porfirio Ramírez recibió dos balas perdidas que lo dejaron paralítico y condenado a permanecer esclavo de una silla de ruedas. A partir de ese momento su vida cambió, debió depender de terceros para sus necesidades físicas y trató de vivir como pudo, por ejemplo, vendiendo minutos de celular, mientras esperaba la llegada de una indemnización a cargo del Estado. La tragedia de este hombre estaba condenada al silencio hasta que algo aconteció en el mes de septiembre del año 2005 que lo volvió, por lo menos durante unos días, un personaje público. Alejandro Landes se acercó a Porfirio y consiguió que aceptara representarse a sí mismo en una película con los códigos del cine de ficción, pero cargada de una fuerza explosiva única. El crudo realismo de su primera parte golpea sin conmiseración al espectador y logra mostrar la dureza del día a día de un limitado físico, que no renuncia de ninguna manera a seguir viviendo. La pasión por la música de Porfirio explica el final de la película, una maravilla de originalidad e invención. Su estreno en La Quincena de los Realizadores en Cannes fue el inicio de un recorrido espectacular por algunos de los más prestigiosos festivales del mundo.
Sobre el director:Alejandro Landes (Sao Paulo, Brasil, 1980), estudió Política Económica en Estados Unidos. Su primera película, el documental Cocalero, se estrenó en Sundance en el 2007. Fue becario de la residencia de la Cinefondation de Cannes y del Instituto Sundance con Porfirio, película premiada en Biarritz y Amsterdam, entre otros de los muchos festivales en los que ha participado.
Un mundo secreto
Director: Gabriel Mariño
Guión: Gabriel Mariño
Reparto: Lucía Uribe, Roberto Mares, Olivia Lagunas
Cinematografía: Iván Hernández
Título original: Un mundo secreto
Producción: México | 2012
Duración: 87 minutos
La joven María está sola, y está sola en la ciudad. El paisaje forma parte desde el primer momento del cuerpo expresivo de la película, inicialmente el urbano de la ciudad de México, y luego los muy diferentes que la muchacha va encontrando en su escape. María vive prisionera de una noción de culpa que ella misma acrecienta con su decisión de acostarse con hombres en actos mecánicos que para ella nada significan, salvo aumentar su complejo de puta. Su vida familiar es pobre y se reduce a la presencia de la madre, apenas una figura borrosa en el fondo del plano. Las compañeras del colegio circulan a su alrededor y ella se defiende de ese mundo exterior inclemente con un diario en el que va contando e imaginando cosas para María, su doble personal. En el último día de clases y en la víspera del grado, ella escapa de la ciudad, se marcha hacia ninguna parte, es una fuga de sí misma. En el viaje que inicia se cruza con alguna gente, pero con ninguna permanece, ni siquiera con un joven que le ofrece las únicas pruebas de ternura y afecto verdaderos. Ella prosigue su viaje hacia un punto final que no conoce, viaje que termina en una laguna de Baja California a donde van a procrear las ballenas grises. Allí encuentra una manifestación de la vida en la que se reconoce y por vez primera María sonríe. Algo nuevo surgirá, la posición invertida de la cámara lo sugiere. Reveladora película del joven director mexicano, invitada al festival de cine de Berlín del 2012.
Sobre el director:Gabriel Mariño (Puebla, México), actualmente trabaja como editor y director de publicidad. Su documental de tesis Bardo, fue ganador del Premio KODAK a la mejor película mexicana en FICCO 2007. Becado por Ibermedia, en 2010 su proyecto de ópera prima Un Mundo Secreto ganó el fondo suizo de producción Visions Sud Est
Vaquero
(Fuera de competencia)
Director: Juan Minujín
Guión: Juan Minujín, Facundo Agrelo
Reparto: Guillermo Arengo, Daniel Fanego, Pilar Gamboa
Cinematografía: Lucio Bonelli
Título original: Vaquero
Producción: Argentina | 2011
Duración: 87 minutos
Julián Lamar es un joven actor de teatro y cine en plena actividad, pero su éxito es aparente. En su interior bulle un torrente de inconformidad, de disgusto consigo mismo y con los personajes que pueblan el mundo profesional en que se mueve. Hay algo adentro que lo perturba y que lo lleva a los límites del desprecio hacia los habitantes de su oficio. El actor y director Juan Minujín juega a fondo sus cartas en una ópera prima que se mantiene siempre en un intenso tono de subjetividad, expresado por medio de un monólogo que no se detiene y que sirve de contrapunto a la acción exterior. Acaso participar en el casting de una película norteamericana le otorgue a Juan Lamar la seguridad que vanamente persigue. Si al final es o no, capaz de conseguirlo, no interesa, todo seguirá igual. El personaje tendrá que encontrar algo más, un equilibrio personal que el filme deja sin resolver. Una primera película con momentos espléndidos, un cine en una línea personal que mueve a confiar en el futuro de este debutante director.
Sobre el director:Juan Minujín (Buenos Aires, Argentina, 1975), comenzó su carrera como actor de teatro y cine, donde posee una larga y premiada carrera con participación en unas veinte películas al lado de directores como Daniel Burman o Anahi Berneri. Tras su cortometraje Guacho (2007), escribe y dirige su primer largometraje Vaquero, película en la cual también actúa.
*Información obtenida de la página oficial del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias – Para más información ingresar a: http://ficcifestival.com
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