Ciclo MALBA: Demasiado Ego (Octubre)

Ciclo de películas presentadas por el MALBA para el mes de octubre 2011.

En su autobiografía, Klaus Kinski relata el encuentro en el que Werner Herzog le habló por primera vez de Aguirre, la ira de dios. “No entiendo de qué está hablando, excepto que está enamorado de sí mismo sin motivo aparente y está fascinado por su propia osadía. Afirma que todos los que participan en el proyecto están dispuestos a aceptar con alegría las inimaginables fatigas y privaciones que les esperan con tal de seguirle los pasos a él, a Herzog”. Más allá de la veracidad del relato, la colaboración siempre tensa entre dos grandes como Herzog y Kinski en un proyecto monumental como ése hacen de Aguirre, la ira de dios la película emblema de este ciclo. O quizás no, quizás El Ciudadano merezca ese lugar. A mediados del siglo XX, no había en el mundo del cine otra figura tan parecida a la de un genio romántico como la de Orson Welles. Actor exitoso, cineasta megalómano, aventurero capaz de hacer perder a Hollywood varios millones, Welles debutó como realizador en condiciones excepcionales y con una obra maestra en la que además interpreta a un poderoso ególatra.

Cuando empezamos a discutir el tema de tapa de la revista Lamujerdemivida -Demasiado ego-, pensábamos sobre todo en las redes sociales, donde la necesidad de mostrarse y hacer del propio yo un espectáculo de feria está tan naturalizada. Pero el ego exacerbado no es cosa de ahora, y de hecho atraviesa el universo cinematográfico en varios niveles. Las películas que seleccionamos con el equipo de Lamujerdemivida para este ciclo no pretenden agotar el tema sino trazar un recorrido posible, marcado también por el gusto y por la disponibilidad de copias en fílmico.

El cine está plagado de personajes singulares; figuras enormes, vanidosas, megalómanas, siempre un paso más allá o por encima del hombre común, aisladas en una soledad mística, incompartible, sufrida o heroica. Películas como Muerte en un beso o La condesa descalza han retratado con distintos matices el microclima hollywoodense, en el que abundan los seres convencidos de que el mundo gira a su alrededor. Basta recordar la respuesta de Norma Desmond, la olvidada estrella del cine mudo de Sunset Bvld., cuando el guionista Joe Gillis la reconoce y le dice “era usted grande”. “Soy grande -lo corrige ella-. Son las películas las que se han vuelto pequeñas”.

Pero no sólo de estrellas está hecho este ciclo. Entre las criaturas marcadas por su carácter singular, fuera de lo común, figuran el superhéroe con poderes extraordinarios (Superman, El increíble Hulk); el monstruo humano (Nosferatu, Drácula), un yo exacerbado y anómalo que combina lo imposible con lo prohibido; el místico capaz de enfrentarlo todo gracias a la fe en su propia verdad (Juana de Arco); el líder megalómano y autoritario (El triunfo de la voluntad) y el científico que desafía a la naturaleza (Frankenstein). O los personajes marcados por la locura, convencidos de que todo refiere a ellos, como el paranoico de Él.

Un poco más allá de los personajes, también la teoría cinematográfica se ha dedicado a exaltar la figura excepcional del yo creador a través del concepto de autor. Aunque el cine es un arte colectivo, la idea del director autor (Orson Welles, Alfred Hitchcock, John Ford) como origen de una visión artística única se acerca bastante a la del artista romántico, cuya personalidad es casi un valor en sí mismo.

Y así como hay directores que imprimen rasgos de su interioridad en las obras, otros van más allá y ponen en escena hasta su propia persona. Los documentales autobiográficos (M, Los rubios, Fotografías) no reconstruyen como las biografías el sentido total de una vida, sino que ofrecen un yo elaborado a partir de retazos. Pero en estas películas la visibilidad no es redundante e inocua como en las redes sociales, sino una apuesta riesgosa en la que el sujeto se expone para contar una historia.

Texto: Daniela Kozak (Revista La mujer de mi vida)

Películas del ciclo:

Aprile (Italia | 1998) de Nanni Moretti
Con Nanni Moretti, Silvio Orlando, Silvia Nono, Pietro Moretti, Agata Apicella Moretti – Duración: 78 minutos.

Para ingresar en el universo de Nanni Moretti es imprescindible asumir su a veces irritante narcisismo. La celebración del nacimiento de su hijo simultáneamente con el triunfo de la izquierda en las elecciones, es el eje principal del relato, en el que el actor/director pone en escena todas sus contradicciones apelando a un humor caústico aunque no exento de ternura. La secuencia final político-musical es un auténtico delirio y uno de los mejores momentos de toda su filmografía.

Horario:
Jueves 6 de octubre a las 13.00


El ocaso de una vida (Sunset Blvd. – EEUU | 1950) de Billy Wilder
Con Gloria Swanson, William Holden, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Jack Webb – Duración: 110 minutos.

Además de ser una de las obras maestras más frecuentadas de la Historia del Cine, este es un film sobre el modo en que Hollywood pisoteó su propio pasado durante décadas, al menos hasta que la TV lo volvió rentable y obligó a cuidarlo. Ese pasado es aquí Norma Desmond, vieja diva del cine mudo, pero también su omnipresente valet, su mansión y su auto, ruinas del tren de vida que solían llevar los habitantes de la fábrica de sueños en la década del 20. Y por supuesto también lo son los fantasmas que se reúnen a jugar a las cartas y esa película que Norma proyecta para sí misma, que no por nada es Queen Kelly (1929), una de las últimas superproducciones mudas, famosamente inconclusa. Wilder y su guionista Charles Brackett reunieron todo eso y le dieron, apropiadamente, la forma de una tragedia expresionista.

Horario:
Jueves 6 de octubre a las 14.30


Cinco dedos (5 Fingers, EEUU | 1952) de Joseph L. Mankiewicz
Con James Mason, Danielle Darrieux, Michael Rennie, Walter Hampden – Duración: 108 minutos.

El “episodio internacional” fue una obsesión de las diégesis de los relatos de Henry James. Poner en choque o contraste a dos o más personas de diverso origen y con un marco adecuado detrás, era para él el desiderátum del “había una vez” narrativo. El cine y su concepto retomaron la senda de James y le sumaron una dosis de complejidad imposible de imaginar cuando él escribió. Además, el episodio internacional por excelencia para el cine es el que refiere al espionaje. Espionaje no en su sentido más trivial, sino como método por el que las personas se manejan entre sí. Aquí, el primer diálogo entre Mason y Darrieux sobre el amo y el criado deja a Hegel a la altura de un profesor de filosofía.

Horario:
Jueves 6 de octubre a las 16.30


La condesa descalza (The Barefoot Contessa, EEUU | 1954) de Joseph L. Mankiewicz
Con Humphrey Bogart, Ava Gardner, Edmond O’Brien, Marius Goring, Rossano Brazzi, Valentina Cortese – Duración: 128 minutos.

Conocedor como pocos del divismo, fenómeno que diseccionó en La malvada (All About Eve, 1950), Mankiewicz volvió sobre el tema en este film que además es una de las miradas más impiadosas que Hollywood echó sobre sí mismo. Pudo hacerlo porque lo produjo de manera independiente y filmó la mayor parte en Europa, aunque contó con un elenco mayormente hollywoodense. Buena parte del personaje de Ava Gardner parece tomar elementos de la biografía de Rita Hayworth, pero las semejanzas son sólo superficiales. Además, paradójicamente, el recorrido de su personaje anticipó en cierto modo el de la propia Gardner, cosa que Mankiewicz podía intuir pero no saber en 1954. Quien la vea fotografiada en Technicolor por Jack Cardiff no tardará en comprender por qué muchos la consideran la actriz más hermosa que tuvo el cine norteamericano.

Horario:
Jueves 6 de octubre a las 20.00


Muerte en un beso (In a Lonely Place, EEUU | 1950) de Nicholas Ray.
Con Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Robert Warwick, Jeff Donnell, Martha Stewart – Duración: 91 minutos.

Tiene tono de film noir e incluso hay un crimen que moviliza parte de la trama, pero lo que más importa, lo que vuelve único a este film, es la sensación de desesperación que transmite desde su primera imagen hasta ese final magistral que Ray y Bogart improvisaron a espaldas del guionista. Además el film es muchas otras cosas: una mirada desoladora y paranoica sobre el oficio de hacer películas, una trágica historia de amor, un tour de force de Bogart, una autobiografía parcial del propio Ray que en durante el rodaje se estaba separando de la actriz Gloria Grahame. Hace años que esta obra maestra no puede verse en fílmico en Argentina. Se exhibirá en copia nueva, recientemente adquirida por la Filmoteca Buenos Aires.

Horario:
Jueves 6 de octubre a las 22.30


Dulce y melancólico (Sweet and Lowdown, EEUU | 1999) de Woody Allen
Con Sean Penn, Samantha Morton, Katie Hamill, Kaili Vernoff, Uma Thurman, John Waters – Duración: 95 minutos.

“Nunca trató de suicidarse, tenía un ego demasiado grande para hacer algo así”, afirma Woody Allen prestando testimonio en este falso documental sobre Ray Emmett, un guitarrista ficticio -tan genial como insoportable- que termina de grabar y dice “muy bien todos, particularmente yo” y que disfruta de la compañía de su novia muda, sobre todo porque en la pareja sólo él puede hablar. Sin embargo, su ego tiene un talón de Aquiles: “Me consideran uno de los mejores guitarristas que hayan existido… aunque está este gitano en Francia, y es lo más bonito que escuché”. Django Reinhardt es su ídolo y obsesión: se desmaya cada vez que se lo cruza (o cree cruzárselo) y no puede escuchar sus discos sin llorar. Sean Penn se luce en un papel memorable y la banda de sonido (con varios temas de Reinhardt) está entre las mejores de la historia del cine, sin exagerar. Texto de Eugenia Zicavo.

Horario:
Viernes 7 de octubre a las 16.00


Iván el Terrible (Ivan Grozny I, URSS | 1943) de Sergei M. Eisenstein
Con Nikolai Cherkassov, Ludmila Tselikovskaya, Serafina Birman – Duración: 96 minutos.

Eisenstein ha logrado que la exposición de un magnífico teatro y de una magnífica plástica no quiten al film el dinamismo y el ritmo cinematográficos. Los primeros planos, y su rápida sucesión, colaboran a ese objeto; la batalla de Kazán, vertida por un lado con elementos pictóricos de gran belleza (manejo de volúmenes, de alturas, de proporciones), abunda por otro en desplazamiento de masas y en el empuje final de la carga que lleva al triunfo; el mismo discurso de la Zarina, que con su hijo en brazos exhorta a la corte a mantenerse fiel a la causa de Iván y de Rusia, está dicho con el curioso y bello efecto sonoro de entrecruzar sus palabras con el llanto del niño y con la música de fondo. En todo momento Eisenstein está aprovechando al máximo la reunión de música, luces, cámaras e intérpretes, para la consecución de objetivos específicamente cinematográficos.

Horario:
Viernes 7 de octubre a las 18.00


Perros de la calle (Reservoir Dogs, EEUU | 1992) de Quentin Tarantino.
Con Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney – Duración: 99 minutos.

Si existe una Generación VHS, el director que mejor la simboliza es Quentin Tarantino. El crítico y cineasta Álvaro Buela dice que "La ‘licuadora’ Tarantino es un ejemplo privilegiado de que ya no existe una única cinefilia dogmática sino que se ha atomizado en infinitas cinefilias privadas. La suya, una de las más enjundiosas y pobladas, prescinde de todo canon y se maneja en un circuito paralelo, deudor exclusivo de sus propias afinidades y sus propias sinapsis. A su vez, sintetiza y expresa el triunfo de una existencia vicaria, donde el cine se conforma como el espacio vital y emocional por excelencia, imponiéndose a cualquier versión plausible de ‘realidad’. Dogmático o no, todo cinéfilo es, en el fondo, un nerd, y Tarantino (cinéfilo, ergo, nerd) se erige como un representante exitoso de la especie".

Horario:
Viernes 7 de octubre a las 24.00


El socio del silencio (The Silent Partner, Canadá | 1978) de Daryl Duke
Con Elliott Gould, Christopher Plummer, Susannah York, Celine Lomez – Duración: 103 minutos.

Elliot Gould y Christopher Plummer se sacan chispas en un juego de gato vs. ratón donde, hasta el final, no se sabe quién es quién. Gould es un humilde y silencioso cajero de un banco, Plummer es un asaltante dispuesto a matar para alcanzar el objetivo. La película fue un éxito de cartelera al momento de su estreno y sorprendió por su guión (de Curtis Hanson), un verdadero mecanismo de relojería que no escatima ni sexo ni violencia.

Horario:
Sábado 8 de octubre a las 12.30


Él (México | 1952) de Luis Buñuel
Con Arturo de Córdova, Delia Garcés, Luis Beristain, José Pidal, Manuel Donde – Duración: 100 minutos.

Católico devoto y hombre de reconocidas virtudes, el protagonista de este film resulta ser un loco de temer, que primero tortura a su esposa psicológicamente y luego trata de matarla. Como esa conducta se revela sólo en la intimidad, la mujer descubre pronto que nadie está dispuesto a creerle. Él fue una de las obras más perfectas del período mexicano de Luis Buñuel, ya que no sólo le interesó describir una patología sino también su repercusión en una sociedad que no está dispuesta a dudar de las apariencias. El zigzagueante final es uno de los grandes momentos de la Historia del Cine.

Horario:
Sábado 8 de octubre a las 14.30


El sheik (Il sceicco bianco, Italia | 1952) de Federico Fellini
Con Alberto Sordi y Brunella Bovo – Duración: 84 minutos.

“Lo sceicco bianco fue un film de distribución deficiente, sospechoso de no poseer atractivos comerciales, (…). Las reseñas extranjeras dejan entender que el libreto transportaba, en clave cómica y sentimental, algunos aspectos del choque entre la mentalidad provinciana y las realidades de la gran ciudad. El asunto es un viaje de bodas de una pareja proveniente del pueblito de Vibo Valentia. El marido llega a Roma con las ilusiones turísticas de tantos otros provincianos (…). La esposa quiere conocer en cambio al Sheik Blanco, el ídolo popular de las fotonovelas, y que resulta ser algo menos que el héroe romántico entrevisto desde lejos por las lectoras de las aldeas. Ambos esposos tienen así una doble desilusión (…). Como de costumbre, la sátira de Fellini tiene un pliegue sentimental, una actitud generosa y comprensiva, pero también él mismo se comenta con sarcasmo, en un desdoblamiento que en Otto e mezzo llegaría a adquirir verdadera grandeza”.
Homero Alsina (Thevenet, TdC n17, marzo-abril 1964)

Horario:
Sábado 8 de octubre a las 16.00


El Increíble Hulk (The Incredible Hulk, EEUU | 1977) de Kenneth Johnson
Con Bill Bixby, Lou Ferrigno – Duración: 100 minutos.

“No soy yo cuando me enojo” le dice el Dr. David Banner al periodista que lo persigue. Tampoco es el Dr. Jekyll que se toma un brebaje para convertirse en Hyde. Una sobredosis accidental de rayos gamma alteró el organismo de David Banner. Desde ese momento, cada vez que se enoja viene la metamorfosis y el Dr. Banner deja de ser un alfeñique de pocos kilos para transformarse en un gigante verde de dos metros, un otro yo indignado y con ganas de destrozar todo a su paso. Eso sí, haciendo justicia. Stan Lee creó el personaje para el mundo del comic, Kenneth Johnson lo llevó al de la TV y Bill Bixby y Lou Ferrigno le dieron sus cuerpos a esta vuelta de tuerca a la clásica historia de la personalidad desdoblada (y desbordada). Texto de Jota Pérez

Horario:
Sábado 8 de octubre a las 24.00


Pajarito Gómez (Argentina | 1965) de Rodolfo Kuhn
Con Héctor Pellegrini, María Cristina Laurenz, Nelly Beltrán, Lautaro Murúa, Maurice Jouvet – Duración: 83 minutos.

Después de dos films sobre la desorientación de su generación (Los jóvenes viejos y Los inconstantes), Rodolfo Kuhn filmó una película muy distinta: una sátira sobre la fabricación de los ídolos. La historia del protagonista, un cantante popular, se parece bastante a la de Palito Ortega, que en 1965, cuando se hizo la película, estaba en su apogeo. El film retrata con ironía cómo los medios de comunicación -revistas, fotonovelas, radio y televisión- convierten una vida en un producto al gusto del público. Pajarito Gómez no es una persona sino una personalidad, un mito que genera tanta adoración como ventas. La última escena sintetiza de manera genial la crítica a la alienación social que propone la película. Y las imitaciones de Oscar y Jorge López Ruiz de los éxitos musicales de la época son tan pegadizas como los productos originales. Texto de Daniela Kozak.

Horario:
Domingo 9 de octubre a las 14.00


El Ciudadano (Citizen Kane, EUA | 1941) de Orson Welles
Con O. Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, Agnes Moorehead, Dorothy Comingore, Ray Collins, George Colouris – Duración: 119 minutos.

Cuando cumple la mayoría de edad, Charles Foster Kane recibe una herencia de varios millones. Para acceder a ella, siendo apenas un niño, es forzado a abandonar a sus padres humildes para quedar a cargo de un tutor que administra sus bienes y lo educa como a un señor. Siendo todavía un joven, Kane (interpretado por Orson Welles) ya conoce bien el mundo de los ricos y decide hacer algo al respecto: se hace cargo de un diario deficitario, empieza con campañas de prensa y -a menudo apoyando primero a los poderosos que luego denuncia- llega a construir un “imperio dentro del Imperio”, con decenas de diarios, radios, minas de oro y hasta un palacio. Cuando unos lo acusan de comunista y otros de fascista, él responde: “sólo soy y seré un americano” (algo así como el mentado “yo, argentino”). Pero al morir, la última palabra que pronuncia es “Rosebud”, y entonces todo cobra otro sentido. Texto de Eugenia Zicavo.

Horario:
Domingo 9 de octubre a las 15.30


Gatica, el mono (Argentina | 1993) de Leonardo Favio
Con Edgardo Nieva, Horacio Taicher, Virginia Inoccenti, Cecilia Cenci – Duración: 136 minutos.

Leonardo Favio cuenta, como siempre y a través de un sosías, su propia historia, una vida fabulada y fabulosa, la de un hombre humilde que a los golpes y desde la escala social más baja, accede a la fama y el dinero sin dejar de ser nunca él mismo, un negro, un peronista, un ególatra subido a su triunfo pero siempre consciente acerca de dónde viene y quién es. Esa autoconciencia, esa dignidad lo hará caer, Ícaro criollo. Favio despliega todo el arsenal de su extraño talento para hacer que su Gatica… sea también la elegía de un pueblo derrotado, eludiendo la alegoría y el mensaje. Para la historia del cine, el travelling que rodea al ring después de la primera victoria ante Prada, en donde Favio hace participar a todos los personajes, individuales y colectivos, de la película y registra todos los altibajos de euforia y desazón. O la escena final en donde centenares de manos transportan el cajón de Gatica al compás de la euforia de Tanguera de Mores en la notable versión de Iván Wizsogrod. Texto de Eduado Rojas.

Horario:
Domingo 9 de octubre a las 22.00


El rey de la comedia (The King of Comedy, EEUU | 1982) de Martin Scorsese
Con Robert de Niro, Jerry Lewis, Diahnne Abbott, Sandra Bernhard, Shelley Hack, Tony Randall – Duración: 109 minutos.

El rey de la comedia (Jerry Langford) se enfrenta al rey de lo patético (Rupert Pupkin). Hablan de negocios en un restaurante, mientras un dibujante trabaja en una caricatura. La termina y se las muestra. “Es fantástica” dice Jerry. “Hay un problema, te hizo a ti más grande”, le responde Rupert. Es un mano a mano de egos, pero que solo sucede en la mente de Pupkin (De Niro), que está obsesionado por que el exitoso Langford (Jerry Lewis) le dé una oportunidad en su programa de TV. Comedia negrísima con actuaciones memorables de De Niro y Lewis, enmarcados en una puesta en escena sobria y convencional, pero totalmente efectiva. Texto de Jota Pérez.

Horario:
Domingo 9 de octubre a las 20.00


Las cosas por su nombre (Les valseuses, Francia | 1974) de Bertrand Blier
Con Gérard Depardieu, Patrick Dewaere, Miou-Miou, Jeanne Moreau, Jacques Chailleux, Isabelle Huppert – Duración: 117 minutos.

Sexo y rebelión. Lo suficiente para poner nerviosa a la sociedad bienpensante de los 70 (que era menos bienpensante que la actual). Bertrand Blier maneja como pocos la cuerda satírica y en este film compone una de sus obras más acabadas. Sin duda, la actuación de los actores surgidos del Café de la Gare -Depardieu, Dewaere y Miou-Miou- es gran parte del secreto del éxito de este film, que sufrió varias prohibiciones, incluso en la Argentina. Un triángulo amoroso donde los dos machos despliegan sus alas de seducción a base de provocaciones. A la calidad actoral y la belleza de Miou-Miou (impecable como la peluquera hastiada de la vida cotidiana) se suman en pequeños roles Jeanne Moreau e Isabelle Huppert, en una de sus primeras apariciones cinematográficas. Texto de Sergio Olguín.

Horario:
Jueves 13 de octubre a las 14.00


La historia de Adèle H. (L’histoire de Adèle H., Francia | 1975) de François Truffaut
Con Isabelle Adjani, Bruce Robinson, Sylvia Marriott, Reubin Dorey – Duración: 96 minutos.

El amor fou, ese que es ciego, sordo y mudo, hasta el punto de no ver ni escuchar ni siquiera al pretendido objeto de su pasión, ¿es algo más que un ego fuera de control? Su encarnación perfecta es Adèle H., de nombre completo Adèle Hugo, la mismísima hija del poeta e intelectual francés Víctor Hugo. A mediados del siglo XIX, comete la osadía de cruzar el océano para seguir al soldado que la sedujo hasta Canadá. Pero el hombre no quiere saber nada con ella, y Adèle se retuerce sobre su obsesión hasta convertirla en su único hueso. Del ego como laberinto sin salida, filmado por Truffaut con obsesiva reconstrucción de época y la locura pintada en el bellísimo rostro de Isabelle Adjani. Texto de Marcela Basch.

Horario:
Jueves 13 de octubre a las 16.00


La televisión y yo (Argentina | 2003) de Andrés Di Tella.
Largometraje documental – Duración: 75 minutos.

Como Andrés Di Tella pasó parte de su infancia fuera del país, se perdió unos cuantos años de televisión. No sólo algunos programas, sino la posibilidad de participar de una memoria compartida por su generación. A partir de esa idea, Di Tella explora la historia de la televisión argentina. Al contar la historia de la familia Yankelevich, y en especial la de Jaime, el fundador de la TV local, se da cuenta de que hay otra historia para contar: la de su propia familia. Como Yankelevich, su abuelo Torcuato también fue un inmigrante pionero, creador de una de las empreas más importantes del país: Siam Di Tella. Convertido en autor, narrador y personaje, Di Tella descubre su historia a medida que avanza el relato. De cómo la historia deviene autobiografía. O viceversa. Texto de Daniela Kozak.

Horario:
Jueves 13 de octubre a las 18.00


Fotografías (Argentina | 2007), de Andrés Di Tella
Largometraje documental – Duración: 105 minutos.

Con La televisión y yo, el realizador Andrés Di Tella ya había incursionado en un género mixto de documental, que parte de su propia biografía, pasa por su familia y termina dando cuenta, elípticamente, de fenómenos nacionales o incluso transnacionales. Así como en el film anterior se metía con la familia de su padre, que dio al país industria, centros culturales, teóricos y ministros, esta vez investiga a su madre, Kammala, una muchacha india que logró estudiar en California, se casó con un argentino, vivió en Londres y Buenos Aires y nunca se arraigó. Una caja llena de fotos lleva a Di Tella a rastrear su historia hasta la mismísima India, adonde viaja con su mujer y su hijo, pero también con un cameraman y un sonidista: otra familia. Y por el camino, encuentra historias insólitas de la relación entre la Argentina y la India: por ejemplo, la del hijo adoptivo de Ricardo Güiraldes, un gaucho hinduista. “Filmar facilita todo, mi viejo me dijo en cámara cosas que nunca me había contado”, contó Di Tella en una entrevista. De cómo dedicarse a bucear en el yo es también dedicarse a tanto más. Texto de Marcela Basch.

Horario:
Jueves 13 de octubre a las 20.00


La pasión de Juana de Arco (La passion de Jeanne d'Arc, Francia | 1928), de Carl Theodor Dreyer.
Con Maria Falconetti, Eugene Silvain, André Berley, Maurice Schutz, Antonin Artaud y Michel Simon – Duración: 90 minutos.

Historia del martirio de la heroína nacional de Francia contada por el danés Dreyer. El incomensurable ego de los franceses no admitió fácilmente la visión de un extranjero sobre su virginal dama. Lo cierto es que Dreyer filmó una de sus obras maestras. Una película hecha con rostros que transmiten todas las emociones humanas como pocas veces se vio. Al juego de planos cortos y una iluminación que acentuaba los rasgos, hay que agregar la estupenda actuación de todos los actores. Los primeros planos de María Falconetti sufriendo son un ícono de la historia del cine. También actúan estupendamente un Antonin Artaud hierático y un todavía joven Michel Simon. Texto de Sergio Olguín.

Horario:
Jueves 13 de octubre a las 22.00


El extraño (The Stranger, EEUU | 1946) de Orson Welles
Con Edward Robinson, Loretta Young, Orson Welles – Duración: 92 minutos.

Una película que habla de la presencia extraña, extranjera, de un jerarca nazi instalado en la pacífica sociedad norteamericana, adonde escapó después de la guerra, y de cómo el bien siempre triunfa sobre el mal. Fue precisamente el exceso de ego lo que llevó a Orson Welles a filmar The Stranger. Después de marcar un punto de inflexión en la historia del cine con Citizen Kane, en 1941 (con tan sólo 26 años), Welles firmó un contrato muy particular con RKO, donde se establecía que tenía libertad total para abordar sus producciones. Los dos films que le siguieron fueron rotundos fracasos, y la empresa lo obligó a bajar sus pretensiones. The Stranger es el regreso de Welles al éxito en la pantalla grande, pero esta vez adaptándose a las exigencias del mercado tradicional y conservador del Estados Unidos de posguerra. Texto de Nicolás Hochman.

Horario:
Viernes 14 de octubre a las 14.00


El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens, Alemania | 1935) de Leni Riefenstahl
Duración: 114 minutos.

Para este film sobre el congreso de partido nazi que tuvo lugar en Nuremberg en 1934, la directora contó con la más absoluta colaboración de la organización del evento y así logró planificar la mayor parte de su registro con precisión coreográfica. También tuvo la invalorable ayuda del genio vanguardista Walter Ruttmann (creador de, entre muchas otros films, Berlín, sinfonía de una gran ciudad), quien la asistió en el arduo proceso de compaginación. Posteriormente Riefenstahl procuró restar sentido político al resultado, comparando sus valores plásticos con las experiencias de importantes cineastas abstractos como Fischinger, Richter o el propio Ruttmann, pero ese argumento resulta simplemente absurdo. El triunfo de la voluntad tiene un valor incuestionable como documento, constituye un ejemplo definitivo del cine de propaganda y seguramente es, además, el film más aterrador de todos los tiempos. Se verá en copia nueva, adquirida por la Filmoteca Buenos Aires.

Horario:
Viernes 14 de octubre a las 16.00


Mamá cumple cien años (España | 1979) de Carlos Saura
Con Geraldine Chaplin, Amparo Muñoz, Fernando Fernán Gómez, Rafaela Aparicio, Charo Soriano, Norman Briski – Duración: 92 minutos.

Un Saura en estado puro, con su actriz fetiche, Geraldine Chaplin, en uno de sus papeles más recordados: la misma Ana de la inquietante Ana y los lobos. En este film, la bella Ana regresa a esa casa de locos que no es más que una imagen simbólica de una España que se resistía a dejar el autoritarismo político, social y religioso. Ana regresa en compañía de su marido, Antonio, interpretado por Norman Briski, que vivía su exilio filmando en Europa. El egoísmo exaltado de los personajes ávidos de heredar a la “mamá” no es más que el reflejo de una madre egocéntrica y omnipresente. Texto de Sergio Olguín.

Horario:
Viernes 14 de octubre a las 18.00


Rambo (First Blood, EEUU | 1982) de Ted Kotcheff
Con Sylvester Stallone, Brian Dennehy, Richard Crenna – Duración: 97 minutos.

Parodiada y homenajeada desde hace casi treinta años, inscripta en el Guinness por ser la saga con mayor cantidad de muertos en escena, convertida en ícono del género, la serie de películas de Rambo se ganó un lugar en el Olimpo del cine popular. En First Blood, el John Rambo que interpreta Sylvester Stallone es un ex combatiente de Vietnam al que la sociedad no recibe con los brazos abiertos. Traicionado, acorralado, reviviendo los traumas de la guerra, Rambo emprende una batalla personal que lo lleva a enfrentarse con la Ley y algunos de sus representantes más antipáticos. Una película que habla sobre los conflictos de la identidad de los combatientes de posguerra, de la personalidad de un veterano de las fuerzas especiales que, de la acción más extrema, pasa al vagabundeo más desesperante. Texto de Nicolás Hochman.

Horario:
Viernes 14 de octubre a las 24.00


La soga (Rope | 1948) de Alfred Hitchcock
Con James Stewart, Farley Granger, John Dall, Cedric Hardwicke, Constance Collier – Duración: 80 minutos.

La soga es recordada por la decisión de Hitchcock de filmarla de manera que pareciera un único plano continuo, como tal pretensión era imposible técnicamente en ese momento, Hitchcock disimuló los cortes en cada momento oportuno. Ese no es el único mérito de la película que plantea un complejo escenario único en donde se juegan, en apariencia, dos formas de ver el mundo: una barata y retorcida versión de la teoría del superhombre nieztcheana ejercida por dos amigos que, para demostrarla, asesinan a un tercero, y otra esbozada por el profesor Cadell, que descubre y condena a los asesinos. Lo que ambas teorías no pueden disimular es el doble juego moral de todos los protagonistas, la permanente ambivalencia con la que Hitchcock jugaba en sus films, que equipara las culpas y pone en primer plano a la hipocresía y la duda. Se tituló en Argentina Festín diabólico. Texto de Eduardo Rojas.

Horario:
Sábado 15 de octubre a las 14.00


El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shots Liberty Balance, EEUU | 1962) de John Ford
Con James Stewart, John Wayne, Vera Miles, Lee Marvin, Woody Strode, Andy Devine – Duración: 117 minutos.

Podría tratarse de El sur de Borges en versión western, en versión Ford que sigue adelante en donde El sur termina. Un hombre de leyes (Stewart) que llega a un pueblito de Arizona decidido a enfrentar a la violencia e imponer la ley. Un pistolero brutal (Marvin) que lo hace objeto de sus burlas hasta que decide matarlo. Civilización y barbarie. Otro hombre, un vaquero del lugar (Wayne), tan tosco como todos pero honesto y dotado de un innato sentido de la justicia. Una mujer (Miles) de la que el hombre de leyes y el vaquero están enamorados. Un duelo entre el hombre de leyes y el malvado. Un engaño merced al cual el engañado construye su carrera, gana el amor de su mujer y contribuye a fundar un país. Décadas más tarde, un retorno al lugar en que nació el mito y un encuentro con la verdad. Liberty Valance es una obra maestra, a la vez una despedida romántica y melancólica de un pasado épico y una bienvenida escéptica al progreso y la modernidad. Se estrenó en Argentina con el título Un tiro en la noche. Texto de Eduardo Rojas.

Horario:
Sábado 15 de octubre a las 15.30


Andy Warhol’s Dracula (Blood for Dracula, Francia, Italia | 1974) de Paul Morrisey
Con Udo Kier, Joe Dallesandro, Arno Juerging, Vittorio De Sica, Maxime McKendry, Roman Polanski – Duración: 106 minutos.

Esta es una adaptación libre, casi una parodia, de la novela de Bram Stoker. En este caso, el conde Drácula es un mal nutrido vampiro que esta al borde de la muerte al no conseguir sangre de vírgenes en Transilvania. Su criado le propone entonces viajar a Italia, cuna de familias religiosas, en busca de vírgenes jovencitas. Tan enfermo y necesitado de sangre está -el pobre conde sufre un sin fin de dolores estomacales cada vez que prueba la sangre de mujeres que no son vírgenes- que incluso necesita silla de ruedas para movilizarse. Debe ser una de las pocas películas que lleva el nombre del productor en el título. Y la lista de grandes nombres sigue: el director es Paul Morrisey, Vittorio de Sica interpreta al Marqués de Fiore y Roman Polanski a un campesino de la taberna. Texto de Laura Schargorodsky.

Horario:
Sábado 15 de octubre a las 24.00


Más corazón que odio (The Searchers, EEUU | 1954) de John Ford
Con John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles, Natalie Wood – Duración: 113 minutos.

Un cuarto de siglo transcurrió desde La diligencia (1939), primer éxito conjunto de Ford y Wayne, hasta The Searchers. Johnny Ringo, el Wayne de la primera, es joven, audaz, heroico. Veinticinco años después, su Ethan Edwards es racista, desbordado por el odio y las motivaciones oscuras. El hombre que se interna en territorio indio para buscar a su sobrina secuestrada por ellos es un personaje complejo, gastado por los años y la soledad. El del fin de la travesía, muchos años después, es todavía otro, que ya no tiene siquiera la certeza de sus odios. En uno u otro caso es un protagonista enorme, que domina la pantalla y la tiñe de sus sentimientos. Ford y Wayne cuestionan en Más corazón… el mito Wayne y lo hacen desde adentro, cuestionando junto a él a todo el orden que lo sustentó, en un film operístico y complejo, el comienzo de un canto de cisne de toda una época y una concepción de la masculinidad y sus valores. Texto de Eduardo Rojas.

Horario:
Domingo 16 de octubre a las 14.00


Directed by John Ford (EEUU | 1971) de Peter Bogdanovich
Largometraje documental – Duración: 99 minutos.

En la primera escena el anciano John Ford, sentado en su silla de director con fondo al Monument Valley (su lugar en el mundo, el sitio en donde filmó innumerables películas), escucha la primera pregunta e, irascible, grita “¡Corten!” El documental de Bogdanovich podría terminar allí; en esa escena están resumidos la intención de homenaje, el registro de una personalidad enorme y dominante y hasta la forma expeditiva de resolver una filmación. Ford aparece aquí como lo que era: un irlandés alcohólico y malhumorado, también un cineasta genial. Bogdanovich, miembro notable de la primera generación de cineastas cinéfilos de los Estados Unidos (junto a Coppola, De Palma y Scorsese entre otros) filma con discreción su homenaje a través de la entrevista a Ford, y de los restantes testimonios. En el recuerdo, la voz de Orson Welles engrandece al film. Texto de Eduardo Rojas.

Horario:
Domingo 16 de octubre a las 16.00


Los rubios (2003 | Argentina) de Albertina Carri
Largometraje documental – Duración: 89 minutos.

A ocho años del estreno de Los rubios, su influencia es cada vez más fuerte. Su potente mezcla de documental, ficción y denuncia ya generó decenas de tesis y ponencias. En un procedimiento desdoblado y con algo de cajas chinas, cuenta a la vez la historia del secuestro y desaparición de los padres de Carri, de su infancia y adolescencia como hija de desaparecidos y de cómo es hacer un documental para un grupo de jóvenes en Argentina; la escena en que el equipo recibe el rechazo del pedido de subsidio es antológica. Al mismo tiempo, este relato se intercala con escenas protagonizadas por la actriz Analía Couceyro, que representa a la misma Albertina desde otro lugar, en sus recuerdos sobre la ausencia, y con segmentos recreados por playmobils que le ponen “el cuerpo” a lo más terrible. Este caleidoscopio contundente reconstruye una memoria ni fiel ni única ni completa: la posible. Albertina Carri inventó una forma de desnudar el yo a través de disfraces, y retrató así a toda una generación. Texto de Marcela Basch.

Horario:
Domingo 16 de octubre a las 20.00


M (Argentina | 2007), de Nicolás Prividera
Largometraje documental – Duración: 140 minutos.

Nicolás Prividera dedica su opera prima a la búsqueda de datos sobre su madre. M es la inicial de su nombre, Marta, y también de mamá y de montoneros, y de muerte. Marta Sierra fue secuestrada en marzo de 1976, y su hijo nunca más supo de ella. En este documental, le pone el cuerpo a una investigación movida por la rabia y el enojo, donde es alternativamente detective, testigo y fiscal. Prividera, omnipresente desde el primer plano hasta el último, acusa, directamente y en cámara, a su generación, por apática; a la de sus padres, por dejarse matar; a los que sobrevivieron, por no haber cuidado a los demás, y al estado argentino, por no hacer justicia. Una película sostenida en su propia convicción lacerante, como un grito del yo. Texto de Marcela Basch.

Horario:
Domingo 16 de octubre a las 21.40


Sonata otoñal (Herbstsonate, Suecia | 1978) de Ingmar Bergman
Con Ingrid Bergman, Liv Ullmann, Lena Nyman, Halvar Björk – Duración: 97 minutos.

Apoyado en recuerdos de su propia infancia, Bergman retrata la relación de amor-odio entre una madre y una hija, interpretadas por Ingrid Bergman y Liv Ullmann. Charlotte, la madre, es una pianista exitosa que toda la vida ha priorizando su carrera, descuidando a sus hijas. Después de varios años sin verse, su hija Eva -también pianista, pero no tan buena- la invita a pasar unos días con ella y su marido. En la casa también vive Helena, la hermana de Eva, que padece una enfermedad grave. Pero Charlotte, una mujer tan sensible como egoísta, al principio no quiere verla porque le hace mal. La alegría del reencuentro es algo tensa, y una noche cede definitivamente ante los recuerdos dolorosos, la culpa y los reproches por el pasado. Bergman explora con lucidez los recovecos oscuros de la relación filial. Texto de Daniela Kozak.

Horario:
Jueves 20 de octubre a las 14.00


Persona (Suecia | 1966) de Ingmar Bergman
Con Liv Ullmann, Bibi Andersson, Gunnar Bjornstrand, Margaretha Krook – Duración: 90 minutos.

Alma es la enfermera encargada de cuidar a Elisabeth, una actriz que enmudeció interpretando a Electra y ya no volvió a hablar. En toda la película Elisabeth no dice ni 5 palabras. Todo lo dice Alma. Y al tener como auditorio cautivo a una estrella a quien admira, empieza a dar rienda suelta a su ego, proyectándose en esa otra mujer que optó por el silencio. “Cuando vi tu película pensé, soy como ella. Vos sos más linda pero igual somos parecidas”. Bergman pone al servicio de ese juego de espejos un arsenal de recursos cinematográficos: la misma escena repetida pero con el plano y contraplano de ambas sin editar; la pantalla partida con dos medios rostros que se funden en uno. Ellas se acarician, se peinan, comparten una proximidad física a veces conmovedora, otras perturbadora, siempre sensual. Además, casi al final, hay un monólogo (en rigor, casi toda la película lo es) sobre la maternidad, sus contradicciones y silencios, al que vale la pena prestarle atención. Advertencia: después de ver Persona, es muy difícil no enamorarse de Liv Ullmann y Bibi Andersson. Cosas que pasan. Texto de Eugenia Zicavo.

Horario:
Jueves 20 de octubre a las 16.00


Dr. Jekyll y Mr. Hyde (Dr. Jekyll & Mr. Hyde, EEUU | 1932) de Rouben Mamoulian
Con Fredric March, Miriam Hopkins, Rose Hobart, Holmes erbert, Halliwell Hobbes – Duración: 98 minutos.

El cine contó más de quince veces la historia hombre atrapado entre dos personalidades opuestas. La novela de Robert L. Stevenson es carne de pantalla porque nos identifica a todos en nuestra lucha cotidiana contra nuestras partes oscuras. ¿Qué ego es más ego, el que cede a los bajos instintos o el que pugna por mantener la reputación ante la sociedad? El protagonista de esta versión, Fredric March, ganó el Oscar 1932 a Mejor Actor por sus transformaciones, y el premio catapultó su carrera; volvería a ganarlo después con Los mejores años de nuestra vida, y a recibir nominaciones por Nace una estrella y La muerte de un viajante. Pero ningún papel da tanta oportunidad de lucimiento actoral como este: un hombre torturado por la visión de su verdadero yo. Texto de Marcela Basch.

Horario:
Jueves 20 de octubre a las 17.30


Frankenstein (EEUU |1931) de James Whale
Con Colin Clive, Boris Karloff, Mae Clarke, Edward Van Sloan, John Boles, Dwight Frye – Duración: 70 minutos.

El ambicioso doctor Henry Frankenstein desarrolla un escalofriante experimento: construir un nuevo ser humano utilizando distintos pedazos de cadáveres. El Dr. Frankenstein cuenta con un ayudante, su criado Fritz, encargado de conseguir durante las noches las distintas partes que se necesitan para el experimento. Fritz acude a los cementerios y a los laboratorios de la universidad de medicina, pero al momento de apropiarse de un cerebro humano sufre un percance y decide llevarse el cerebro de un criminal. La historia de un científico que busca crear vida artificial en abierto desafío a las leyes naturales, y termina por crear un monstruo que, ante el miedo, reacciona. Texto de Laura Schargorodsky.

Horario:
Jueves 20 de octubre a las 19.00


Historia de locura común (Storie di ordinaria follia, Italia,Francia | 1981), de Marco Ferreri
Con Ben Gazzara, Ornella Muti, Susan Tyrrell, Tanya Lopert, Roy Brocksmith, Katya Berger y Judith Drake – Duración: 101 minutos.

Basada en una novela de Charles Bukowski, que es como decir en un texto autobiográfico del poeta rebelde norteamericano. En sus films, Ferreri construye siempre un universo de personajes bizarros en situaciones cotidianas. Como si el mundo no estuviera loco, sino sólo sus habitantes. Esta película no es la excepción. Ben Gazzara interpreta magistralmente al hombre huraño y violento, con una solidez y una credibilidad no siempre presente en los personajes de Ferreri. Ornella Mutti está tan bella como inquietante (aunque no tanto como en otro film de Ferreri: El futuro es mujer). Y el director italiano filma Los Ángeles como una ciudad agobiante y sórdida. Historia clínica de personas a las que el narcisismo puede llevar a la destrucción. Texto de Sergio Olguín.

Horario:
Jueves 20 de octubre a las 20.30


Una mujer bajo influencia (A Woman Under the Influence, EEUU | 1974) de John Cassavetes
Con Peter Falk, Geena Rowlands, Katherine Cassavetes, Lady Rowlands, Fred Draper – Duración: 120 minutos.

Gena Rowlands le pidió a su marido un papel que ilustrara las dificultades que enfrentan las mujeres en la vida moderna y Cassavetes creó una de sus mejores películas, en la que ella deslumbra. Centrada en el deterioro emocional de Mabel, una madre y esposa con una personalidad excesiva, Una mujer bajo influencia es un retrato hiperrealista de la vida de una familia de clase trabajadora. “Sé vos misma”, le pide Nick, el marido (Peter Falk), como si fuera tan fácil. Pero el comportamiento fuera de lo común de Mabel, que el resto del mundo lee como simple y llana locura, es también síntoma de la incomodidad con el lugar que le toca. Y el marido, que supuestamente se hace cargo de la situación, no registra demasiado más allá de sí mismo. Su conducta, tan amorosa como cruel, es tanto o más perturbadora que la de ella. Alguna vez Cassavetes dijo que sus películas eran “la verdad”. Y aunque pueda sonar pretencioso, con esta película visceral es difícil no darle la razón. Texto de Daniela Kozak.

Horario:
Jueves 20 de octubre a las 22.30


Primero yo (Argentina | 1964) de Fernando Ayala
Con Alberto de Mendoza, Marilina Ross, Ricardo Areco, Susana Freyre, Héctor Gancé – Duración: 95 minutos.

Juanjo (Alberto de Mendoza) encarna a un playboy, corredor de autos, famoso, prepotente y competitivo que se reencuentra con su hijo adolescente luego de varios años. Como el hijo es algo tímido, el padre intenta una y otra vez mostrarle cómo ser un verdadero “macho” en la vida y con las mujeres. Incluso, llega a provocar que su propia amante lo inicie sexualmente. Pero la tragedia se desencadena cuando el joven se enamora de una chica (Marilina Ross) y pretende casarse. Ante esta situación, su padre le propone un “juego”. Primero yo es una de las tantas películas de Fernando Ayala que busca plasmar un problema social de la época, el machismo, al mismo tiempo que muestra a un padre que anula constantemente a su hijo. Texto de Laura Schargorodsky.

Horario:
Viernes 21 de octubre a las 14.00


El retrato de Dorian Gray (The Picture of Dorian Gray, EEUU | 1945) de Albert Lewin
Con George Sanders, Hurd Hatfield, Donna Reed, Angela Lansbury, Peter Lawford– Duración: 110 minutos.

La adaptación del cine clásico de la única novela de Oscar Wilde. Lord Henry es un aristócrata cuya única preocupación es ejercer influencia sobre sus seres cercanos. El pintor Basil Hallward retrata a un apuesto joven, Dorian Gray, en el que cree haber encontrado la expresión más perfecta del arte. Y el hedonista Dorian Gray entrega su alma a cambio de la juventud y belleza eternas del retrato: “Mientras que yo envejezca, este retrato siempre será joven. Si tan sólo fuese al contrario. Si fuera yo quien permaneciera joven y la pintura envejeciera”. El retrato se convierte así en emblema de su propia conciencia. En el original, la fotografía en blanco y negro incluía planos del retrato en color, pero no sucede lo mismo con la copia de la Filmoteca. Texto de Laura Schargorodsky.

Horario:
Viernes 21 de octubre a las 16.00


De repente el último verano (Suddenly, Last Summer, EEUU | 1959) de Joseph Mankiewicz
Con Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Katharine Hepburn, Mercedes McCambridge – Duración: 114 minutos.

La señora Venable, una viuda adinerada de Nueva Orleans, está perturbada por la misteriosa muerte de su hijo Sebastián en Europa durante el último verano. Ella y su hijo solían viajar juntos todos los veranos, pero la última vez Sebastián viajó con su prima Catherine. Sebastian era poeta y la señora Venable habla de él como si fuese un dios, demostrando la gran admiración que le tenía. Cualquiera diría que la señora Venable sufre del síndrome de Electra. La locura por la muerte de su hijo la lleva a contactar al doctor Cukrowicz para someter a su sobrina Catherine -que desde su regreso del viaje sufre de delirio precoz- a una lobotomía. A cambio, ella le agradecerá con fondos para la creación de un hospital de neurocirugía. Dos mujeres al borde de la locura y una pregunta: ¿qué recuerdos siniestros se alojan en el cerebro de Catherine? Textos de Laura Schargorodsky.

Horario:
Viernes 21 de octubre a las 18.00


Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, Alemania | 1922) de Friedrich W. Murnau
Con Max Schreck, Alexander Granach, Gustav von Waggenheim, Grete Schroder – Duración: 80 minutos.

Una de las mayores obras del cine mudo y primer gran film de vampiros, Nosferatu es una adaptación libre de la obra Drácula de Bram Stoker. Hutter, un empleado de Knock, un agente inmobiliario, es enviado desde Wisborg a Transilvania para ofrecerle al Conde Orlok una casa lindera a la suya. Ya en el castillo, Hutter le escribe a su amada contándole que le han picado unos mosquitos en el cuello. Luego descubre que el Conde Orlok es un vampiro e intenta regresar lo más rápido posible para defender a su novia. A diferencia del erótico Conde Drácula que crearían Bela Lugosi y Tod Browning en 1931, el Conde Orlok compuesto por Max Schreck se asemejaba a un roedor repugnante de uñas largas y orejas puntiagudas. Texto de Laura Schargorodsky.

Horario:
Viernes 21 de octubre a las 24.00


Superman (Superman the Movie, EEUU | 1978) de Richard Donner, c/ Christopher Reeve, Margot Kidder, Marlon Brando, Gene Hackman, Ned Beatty, Valerie Perrine- Duración:110 minutos. Doblada al castellano.

Por el ego de creerse indestructibles mueren los habitantes del planeta Krypton. Todos menos Superman, que se salva por el ego de su padre, quien desafía a la ley y envía a su recién nacido a la Tierra. “¿Por qué a la Tierra, si son tan poco evolucionados?”, le pregunta su mujer. “Porque allí será superior”. Pero sus padres adoptivos -tan terrestres ellos- lo educan para que no haga gala de todo aquello que puede hacer. En suma, Superman es la lucha de un (súper) hombre contra su propio ego. “No te castigues por tus sentimientos de vanidad, aprende a controlarlos”, ese es su mandato. A punto tal de tener que fingir, bastante a su pesar, ser un don nadie como Clark Kent y quedar como un imbécil por no poder destapar una botella cuando desde los cinco años puede levantar un camión. Eso sí, el ego del protagonista tuvo que esperar a la segunda parte, porque en ésta Marlon Brando y Gene Hackman encabezan los títulos. Y cuando sus nombres se proyectan y se oyen los primeros acordes de esa música triunfalista, Superman emociona. Verlo en pantalla grande es viajar a una niñez en la que un sólo hombre salvaba a los buenos, besaba a la chica y se iba volando. Y cuando vuela, Superman juega: da vueltas en el aire con la sonrisa de un chico feliz. Además, hay que decirlo: el Superman de Reeve es el más fachero, lejos. Y todo suma. Texto de Eugenia Zicavo.

Horario:
Sábado 22 de octubre a las 14.00


Superman 2 (Superman II, EUA-1980) de Richard Lester
Con Christopher Reeve, Margot Kidder, Gene Hackman, Ned Beatty, Jackie Cooper – Duración: 127 minutos. Doblada al castellano.

Si no viste la primera, los títulos de apertura de esta secuela son un resumen perfecto del film anterior, que intercala escenas en una suerte de “Previously, on Superman…”. A esta altura de la historia, el hombre de acero está crecidito, ya enamoró a Luisa Lane y gracias a una villana redimida, se salvó del embate de su primer enemigo, Lex Luthor. Pero unos criminales sobrevivientes del planeta Krypton, sentenciados a girar encerrados eternamente en el espacio, llegan a la Tierra para vengarse del hijo de quien los condenó: sí, el que no es un pájaro ni es un avión; el extraterrestre que en segundos, para salir volando, cultiva el dudoso gusto de calzarse unos calzoncillos chillones sobre un catsuit ajustado. La película cambió de director en mitad de rodaje y no incluyó las escenas ya rodadas con Marlon Brando por desacuerdos con el cachet. Estrenada en 1980, la impronta estética de la década se hace notar (la villana parece Annie Lenox en Eurythmics), y Gene Hackman vuelve a lucirse aunque, esta vez, el primero en los créditos es Reeve. Texto de Eugenia Zicavo.

Horario:
Sábado 22 de octubre a las 16.00


Psicosis (Psycho, EUA-1960) de Alfred Hitchcock
Con Anthony Perkins, Vera Miles, John Gavin, Janet Leigh, Martin Balsam – Duración: 109 minutos.

No es para verla en la cama, ni cenando, ni con la familia dando vueltas. Psicosis hay que ir a verla al cine. Por eso, sea formal. Invite con anticipación y vaya bien vestido. Procure llegar temprano, la primera escena es de una sensualidad impensable para esa época y envidia para la nuestra. A los diez minutos la historia se dispara y a los cuarenta pasa algo que no tendría que haber pasado. Esa es la valentía del director. Viendo la película entiende por qué, aunque hasta ese momento no haya visto ninguna de sus obras, usted sabe perfectamente bien quién es Hitchcock. Con Psicosis se estableció la matriz con la que luego se moldeó infinidad de argumentos. Ninguna como ella logró que lo que pareciera importante en realidad no signifique nada. También lo contrario. 109 minutos de un director implacable con su única presa: el espectador. Texto de Ricardo Coler.

Horario:
Sábado 22 de octubre a las 24.00


Annie Hall - Dos extraños amantes (Annie Hall, EEUU | 1977) de Woody Allen
Con WA, Diane Keaton, Tony Roberts, Paul Simon, Shelley Duvall, Carol Kane, Colleen Dewhurst – Duración: 94 minutos.

Al principio, Woody Allen fue un cómico que hacia películas, mas tarde se convirtió en un director que realizaba comedias, y luego vino su inexplicable actualidad. Annie Hall representa el momento donde la mezcla de persona y personaje logra su mejor resultado. El critico Héctor Soto escribió: "Annie Hall es una comedia agridulce donde, por primera vez, Allen intenta encarnar en realidades sociales, psicológicas y morales las preocupaciones que hasta ese momento sólo habían sido pretextos para rutinas humorísticas, pero no como temas propiamente tales (los desencuentros de las parejas, el sexo, el psicoanálisis, la muerte, la neurosis de la modernidad, la pugna entre la cultura californiana y neoyorquina)".

Horario:
Viernes 7 de octubre a las 14.00


Aguirre, la ira de Dios (Aguirre, der Zorn Gottes, Alemania, Perú, México | 1972) de Werner Herzog
Con Klaus Kinski, Daniel Ades, Peter Berling – Duración: 100 minutos.

El loco de Herzog hizo ésta y otra locura, Fitzcarraldo, donde murió gente aplastada por un barco. Aguirre trata de la conquista de los españoles. Es terrible. Kinski está más ladeado que nunca. Adoro la parte donde sostiene un cachorro de perezoso. Rep

Horario:
Jueves 6 de octubre a las 18.30



Entrada General: $18 – Estudiantes y Jubilados: $9
Abono: $82. Estudiantes y jubilados: $41
Socios Club La Nación: 2 X 1 en entradas
AVISO: La programación puede sufrir alteraciones por imprevistos técnicos.

MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) - Buenos Aires, Argentina
Avenida Figueroa Alcorta 3415 C1425CLA - +54 (11) 4808-6500


* Información extraída de la página oficial del MALBA - Para más información visitar el link: http://www.malba.org.ar/web/cine.php?subseccion=programacion_actual - Información técnica obtenida de IMDB (Internet Movie Database) www.imdb.com –Poster obtenido de MoviepostersDB http://www.movieposterdb.com/