Acorazado
Director: Álvaro Curiel de Icaza
Guion: Álvaro Curiel de Icaza, Alejandro Lozano
Reparto: Silverio Palacios, Laura de la Uz, Salvador Sánchez
Cinematografía: Germán Lammers
Edición: José Manuel Craviotto
Música: Ricardo Martín
Título Original: Acorazado
Producción: México| 2011
Duración: 97 minutos / 35mm, color
Sinopsis:
Silveiro Palacios es pescador pero últimamente sólo ha pescado mala suerte: su intento de organización cooperativa ha fracasado rotundamente, y ahora, cargando con ésta y otras frustraciones a cuestas, se convierte en el primer balsero mexicano rumbo a Miami. Siguiendo el delirante proyecto de su viejo amigo El Alacrán -y también escapando de su insoportable vida familiar- transforma su antiguo taxi VW en El Acorazado y, sin otra vestimenta que un slip, surca el mar con la esperanza de alcanzar la costa del gran sueño americano antes de que la guardia costera lo alcance a él. Lo que no ha tenido en cuenta son los obstáculos con que la naturaleza -y su propia inexperiencia- habrá de torcer su destino hacia Cuba, donde se lo recibe con casa, trabajo y seguridad social, y deberá pergeñar un nuevo plan. Punzante, divertida y de un humor negrísimo, la ópera prima de Curiel reflexiona a partir de su bizarra anécdota central sobre el complejo de inferioridad latinoamericano que ha llevado a varias generaciones a poner sus aspiraciones, tantas veces, en los lugares equivocados.
Sobre el director:
Álvaro Curiel de Icaza nació en Ciudad de México en 1973. Estudió realización en el Centro de Capacitación Cinematográfica y, en Argentina, dramaturgia con Jorge Dubatti. Trabajó como productor y asistente de dirección; escribió y dirigió series para TV; y desde el 2000 es docente en México y Argentina. Acorazado es su primer largometraje.
Arirang
Director: Kim Ki-duk
Guion: Kim Ki-duk
Reparto: Kim Ki-duk
Cinematografía: Kim Ki-duk
Edición: Kim Ki-duk
Título Original:
Producción: Corea del Sur | 2011
Duración: 100 minutos / Digibeta, color
Sinopsis:
Kim Ki-duk parecía tenerlo todo: fama, talento, apoyo y reconocimiento internacional. Él y sus películas viajaban por el mundo cosechando premios y admiradores; se sentía el niño mimado de los festivales. Hasta que, en 2008, algo inesperado sucedió en el rodaje de Dream: una de sus actrices estuvo a punto de morir ahorcada en medio de una escena. El accidente lo conmocionó profundamente, y lo alejó del cine durante casi tres años. Quedó preso de una parálisis íntima y creativa. Decidió apartarse de todo y escapar a las montañas, a subsistir como un ermitaño, en la más absoluta soledad. Casi como si hubiera querido ponerse en el papel de aquel atormentado monje budista de su Primavera, verano, otoño, invierno... y otra vez primavera. Con la única compañía de un gato que aparece de vez en cuando a reclamarle comida, Kim Ki-duk pasa sus días en una cabaña sin baño ni comodidades, vive de manera frugal, escribe el guión de una película y pasa el tiempo fabricando máquinas de café y hasta un revólver, con el que busca a sus vidas pasadas para matarlas. De todo eso trata Arirang, un autorretrato documental donde el director surcoreano revela su intimidad y comparte su angustia con quien quiera escucharlo. En un diálogo continuo consigo mismo, el cineasta filosofa sobre la crueldad y la necesidad del hombre de matar para alimentarse, se interroga sobre su trayectoria como cineasta, su temor a no volver a ser reconocido y también sobre el cine, los actores, la puesta en escena y las nuevas tecnologías. “Arirang” alude a una canción tradicional coreana que describe los esfuerzos que realizan los viajeros al subir una colina, bajarla y volver a subirla indefinidamente. Kim la toma como una metáfora de su propia vida y de la crisis que sufría mientras grababa este film autorreferencial, subjetivo, filmado en la absoluta soledad de su refugio, con una cámara de fotos digital. Paulo Pécora
Sobre el director:
Kim Ki-duk nació en Bonghwa, Corea del Sur, en 1960, y estudió Bellas Artes en París. Debutó como director con Crocodile (1996), seguido por Domicilio desconocido (2001; 17º Festival), Primavera, verano, otoño, invierno...… y otra vez primavera (2003), Hierro 3 (2004), El arco (2005; 21º Festival) y Aliento (2007; film de clausura del 23º Festival), entre otros films.
La vida de los peces
Director: Matías Bize
Guion: Julio Rojas, Matías Bize
Reparto: Santiago Cabrera, Blanca Lewin, Victor Montero
Cinematografía: Bárbara Álvarez
Edición: Javier Blanc
Música: Diego Fontecilla
Título Original: La vida de los peces
Producción: Chile | 2010
Duración: 84 minutos / 35mm, color
Sinopsis:
Andrés está de pasada. De hecho, ya desde la primera secuencia de La vida de los peces, podemos ver que hace rato está de pasada en su propia vida: no sólo vino a vender toda propiedad que lo conecte con su Chile natal para finalmente instalarse en Berlín sino que sus amigos, esos que abandonó hace diez años para vivir como cronista de viajes, lo viven (y se lo dicen) como un recuerdo que todavía respira. Le reclaman, lo extrañan, se quejan de que ahora son tipos que “festejan cumpleaños con sus padres”. Andrés se retira, entonces, de esa primera secuencia y sabemos que se encuentra en una fiesta. Será esa fiesta, de la que siempre está intentando irse, donde -secuencia a secuencia, personaje por personaje- Andrés se cruzará con su pasado: desde aquel amor perdido hasta las heridas que todavía no cicatrizan. En su sencillez -tan gigante como su tristeza-, La vida de los peces se vuelve una pequeña y sentida película sobre lo que implica llegar a una edad en la que ya se puede (pero quizás no se quiere) mirar hacia atrás.
Sobre el director:
Matías Bize, nacido en Santiago de Chile en 1979, se graduó como director y guionista en la Escuela Chilena de Cine. Dirigió numerosos cortos y documentales antes de su primer largometraje, Sábado (2003), al cual siguieron En la cama (2005) y Lo bueno de llorar (2006). La vida de los peces obtuvo el Goya a la mejor película extranjera. Es jurado de la Competencia Internacional.
Terri
Director: Azazel Jacobs
Guion: Patrick Dewitt, Azazel Jacobs
Reparto: John C.Reilly, Jacob Wysocki, Bridger Zadina
Cinematografía: Tobias Datum
Edición: Darrin Navarro
Música: Mandy Hoffman
Título Original: Terri
Producción: EEUU | 2011
Duración: 105 minutos / 35mm, color
Sinopsis:
Después de la entrañable Momma´s Man, en la que un treintañero volvía a vivir en el ático de la casa de sus padres para evadir la realidad (una esposa e hija), en su siguiente película Azazel Jacobs parece haber extendido esa cárcel involuntaria al colegio. Terri es el nombre de un chico quinceañero, un gordote fenomenal, que es constantemente humillado por sus compañeros de curso. En casa debe encargarse de cuidar a un tío con cierta enfermedad mental y cazar las ratas que andan en el entretecho, a modo de hobby. Con ese estilo de vida, y con una actitud que mezcla depresión con mucho de fashion statement, Terri va a clases vestido con piyamas, lo que lo enfrenta al inspector del colegio (el siempre imprescindible John C. Reilly), encargado de persuadirlo de ser el buen chico que se supone, en el fondo, es. La destreza de Jacobs tras la cámara le permite, una vez más, dibujar personajes con una sensibilidad muy sincera y afable, que no lo priva de sacarle carcajadas a sus espectadores. Gonzalo Maza
Sobre el director:
Azazel Jacobs nació en Nueva York, EE.UU., en 1972. Estudió en la Universidad de Nueva York y en el Instituto Americano de Cine. Dirigió varios cortometrajes, como Kirk and Kerry (1997; mejor corto de ficción en el Festival Slamdance), y los largos Nobody Needs to Know (2003), The GoodTimesKid (2005) y Momma´s Man (2008).
The Future
Director: Miranda July
Guion: Miranda July
Reparto: Hamish Linklater, Miranda July, David Warshofsky
Cinematografía: Nikolai von Graevenitz
Edición: Andrew Bird
Música: Jon Brion
Título Original: The Future
Producción: EEUU | 2011
Duración: 91 minutos / 35mm, color
Sinopsis:
Sophie y Jason son una pareja extraña, al menos para quien observe su intimidad desde afuera. A los 30 y pico, pasan sus días en un diminuto departamento en Los Angeles, y metidos especialmente en los todavía más diminutos mundos de sus notebooks conectadas a internet; tratando de extender una relación que quizá ya no dé para más. De pronto, la perspectiva de una nueva, inédita responsabilidad, pone sus existencias en crisis: el compromiso de adoptar un gatito enfermo, dentro de un mes, los llena de ansiedad como si se tratara de un embarazo. Empujados por esta circunstancia, deciden dejar sus respectivos trabajos para dedicarse a sus sueños postergados. Pero cuando el mes acordado avance sin demasiado progreso, las cosas comenzarán a cambiar de un modo inesperado, y antes de que podamos decir dos palabras (realismo + mágico), sus mundos ya no serán los que eran, y la segunda película de Miranda July se habrá confirmado como un film sobre la (in)madurez y la conciencia fatal del paso del tiempo o, en sus palabras, acerca de “modos de volver en el tiempo o entrar a otros mundos”.
Sobre la directora:
Miranda July nacida en Vermont, EE.UU., en 1974, es escritora, música, actriz y ha dirigido numerosos videoclips y cortometrajes como Nest of Tens (2000) y Are You the Favorite Person of Anybody? (2003). Su primer largometraje, Me and You and Everyone We Know (2005), ganó la Cámara de Oro a la mejor ópera prima en el Festival de Cannes.
Beyond the Black Rainbow
Director: Panos Cosmatos
Guion: Ponos Cosmatos
Reparto: Michael Rogers, Eva Allan, Scott Hylands, Marilyn Norry
Cinematografía: Norm Li
Edición: Nicholas T.Shepard
Título Original: Beyond the Black Rainbow
Producción: Canadá | 2011
Duración: 110 minutos / 35mm, color
Sinopsis:
Lo primero que observamos en los minutos iniciales de Beyond the Black Rainbow es que se trata de un tipo de cine de género que creíamos perdido entre los estantes de algún videoclub abandonado. Inclusive podríamos ir más lejos, y hablar de aquellas trasnoches televisivas de Viaje a lo inesperado, en donde uno se enfrentaba a películas de las cuales nada conocía, para después obsesionarse eternamente con ellas. Su director, el debutante Panos Cosmatos (hijo del más ochentero George P. Cosmatos, autor de obras como Cobra y Rambo II), busca su inspiración en el cine de ciencia ficción de los muy citados y evocados años setenta. Todo remite al cine de esa década; la iluminación, el rostro de los actores, los decorados, la música, los colores. La historia es sencilla, pero no por eso menos perturbadora: en un utópico, lejano y futurista 1983, una especie de científico (loco, por supuesto) prueba una droga que otorga felicidad en una adolescente con poderes psíquicos (¿por qué no?), con resultados de lo más extraños.
Sobre el director:
Panos Cosmatos nació en Roma, Italia, de padre griego y madre sueca. Vivió en México antes de instalarse en Canadá, donde participó de la escena artística underground realizando cortometrajes, videoclips y carátulas para álbumes musicales antes de dirigir Beyond the Black Rainbow, su primer largometraje.
¡Vivan las antípodas!
Director: Victor Kossakovsky
Cinematografía: Victor Kossakovsky
Edición: Victor Kossakovsky
Música: Alexander Popov
Título Original: ¡Vivan las antípodas!
Producción: Alemania, Argentina, Holanda, Chile | 2010
Duración: 110 minutos / 35mm, color
Sinopsis:
¿Qué está pasando en el punto de la Tierra diametralmente opuesto al lugar en donde estamos? ¿Qué nos espera allí? Fascinado por esas preguntas, Victor Kossakovsky dirigió un experimento único, en cuyo curso visitó cuatro pares de antípodas en Argentina y China, España y Nueva Zelanda, Chile y Rusia, Botswana y Hawai. Con sutil talento para capturar la magia de los ocho escenarios, Kossakovsky consigue imágenes inolvidables. Persigue el flujo amenazante de la lava de un volcán; contempla el vuelo majestuoso de un cóndor; documenta el intento de rescate de una ballena varada. Un atardecer entrerriano se enfrenta a la hora pico en Shangai. La calma y las luces ámbar contrastan con el movimiento, el ruido y los matices metálicos. La superficie terrestre se dobla ante nuestros ojos, las imágenes quedan cabeza abajo: estas antípodas parecen conectadas míticamente, unidas de alguna forma por su oposición. Kossakovsky ha logrado un film que es una fiesta para los sentidos, un fascinante caleidoscopio de nuestro planeta.
Sobre el director:
Victor Kossakovsky nació en San Petersburgo, en la entonces Unión Soviética, en 1961. Debutó como director con el largometraje Losev (1989), al cual siguieron The Belovs (1992), Wednesday 19.7.1961 (1997), Pavel and Lyalya (1999; a su vez primer episodio de la trilogía I Loved You, de 2000), Tishe! (2003) y Svyato (2006), entre otros.
Graba
Director: Sergio Mazza
Guion: Sergio Mazza
Reparto: Belén Blanco, Antoine Raux
Cinematografía: Alfredo Altamirano
Edición: Sergio Mazza
Título Original: Graba
Producción: Argentina | 2011
Duración: 88 minutos / 35mm, color
Sinopsis:
Mientras espera la visa que le permita trabajar legalmente en Francia, María decide alquilar de modo temporario una habitación en la casa parisina de un tal Jérôme. Él acaba de separarse y puede hospedarla en el que era el cuarto de su hijo. Ella también parece estar intentando llenar un vacío en su vida; o acaso está escapando de algo. Así arranca el primer film urbano de Mazza, con sus personajes cargados de sombras en la Ciudad Luz; con sus respectivas soledades a cuestas, destinadas a vincularlos, y con el sexo duro y mecánico como horizonte casi inevitable. Graba es un film sobre dos existencias dañadas, sobre la pérdida, y también sobre ser un “sudaca” en Europa; un film en el que -la postal turística la Tour Eiffel- aparece sólo de manera oblicua, para ceder su lugar al Métro, a la calle y a casas, oficinas y espacios de trabajo cerrados hasta la asfixia. Que son los lugares por los que deambula siempre un poco a la deriva María; es decir, Belén Blanco, capaz de hacernos pensar en ella -como nunca antes- como una suerte de Élodie Bouchez argentina.
Sobre el director:
Sergio Mazza nació en Buenos Aires en 1976. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires y en 2004 fundó la productora Masa Latina. Dirigió los largometrajes El amarillo (2006) y Gallero (2008; premio de la AAA a mejor actuación masculina en el 23º Festival), y actualmente prepara su próximo film, Prostíbulo de animales.
Cultures of Resistance
Director: Iara Lee
Guion: Iara Lee
Cinematografía: David Ross Smith
Edición: Jeff Marcello, Collin Ruffino, Nathaniel Cunningham
Música: Mahdyar Aghajani
Título Original: Cultures of Resistances
Producción: EEUU | 2010
Duración: 73 minutos / Digibeta, color
Sinopsis:
En el año 2003, en vísperas de la invasión estadounidense a Irak, la directora Iara Lee emprendió un viaje cuyo objetivo era comprender mejor un mundo cada vez más envuelto en conflictos y, a su modo de ver, encaminado a la autodestrucción. Tras varios años de recorrer los cinco continentes, Lee había encontrado una cantidad enorme de personas que dedicaban sus vidas a promover el cambio. Cultures of Resistance es su historia. Desde Irán, donde las pintadas callejeras y el rap se volvieron herramientas contra la represión gubernamental, hasta Birmania, donde monjes que continúan la tradición de Gandhi combaten una dictadura; y de allí a Brasil, donde hay músicos que enseñan a los chicos de la favela cómo reconvertir armas en guitarras, para llegar a los campos de refugiados palestinos en el Líbano, donde la fotografía, la música y el cine le han dado voz a aquellos que pocas veces son escuchados, Cultures of Resistance explora cómo el arte y la creatividad pueden ser las mejores municiones en la batalla por la paz y la justicia
Sobre la directora:
Iara Lee nacida en Brasil, de ascendencia coreana, es la fundadora de la Fundación Caipirinha para la solidaridad global y la diversidad cultural. Dirigió numerosos cortos y largos documentales, como Synthetic Pleasures (1995) y Modulations (1998), y, como activista, viajó en la Flotilla de la Libertad de Gaza atacada por Israel en 2010.
Las Acacias
Director: Pablo Giorgelli
Guion: Pablo Giorgelli , Salvador Roselli
Reparto: Germán de Silva, Hebe Duarte, Nayra Calle Mamani
Cinematografía: Diego Poleri
Edición: María Astrauskas
Título Original: Las Acacias
Producción: Argentina, España | 2010
Duración: 85 minutos / 35mm, color
Sinopsis:
Primera película argentina ganadora de la Cámara de Oro (el premio que otorga el Festival de Cannes a la mejor ópera prima), el debut de Pablo Giorgelli narra una historia sencilla, en el sentido más David Lynch de la expresión. Un pequeño relato -aunque gigante en su producción- donde se cuenta el viaje desde Asunción a Buenos Aires de un camionero acompañado, contra su voluntad, de una madre y su pequeño bebé. Pero sin ceder nunca ante el preciosismo turístico del paisaje que atraviesan, Giorgelli logra imprimirle la misma tensión y belleza al interior del Scania que a una merienda al costado del río. Recorre el camino con sus personajes, los observa, los cuida, respeta su distancia y también su cercanía. Y lo hace sin recurrir a la tentación de inundar el film de sentimientos: nada rebalsa nunca, todo mantiene el perfecto equilibrio entre la búsqueda de un clima, de una belleza visual, que no traiciona la parquedad, la simpleza, y ni siquiera los pasados de sus personajes.
Sobre el director:
Pablo Giorgelli nació en Buenos Aires, donde estudió Dirección Cinematográfica en la Universidad del Cine. Desde 1993 realiza cortos y documentales, y fue montajista de Moebius (1995, Gustavo Mosquera) y Sólo por hoy (2001, Ariel Rotter), entre otros films. Las Acacias, estrenado en la Semana de la Crítica de Cannes, es su primer largometraje.
Mae e filha
Director: Petrus Cariry
Guion: Petrus Cariry, Firmino Holanda,
Rosemberg Cariry
Rosemberg Cariry
Reparto: Zazita Matos, Juliana Carvalho
Cinematografía: Patrus Cariry
Edición: Petrus Cariry, Firmino Holanda
Música: Herlon Robson
Título Original: Mae e filha
Producción: Brasil | 2011
Duración: 80 minutos
Sinopsis:
Una mujer atraviesa la selva tropical brasileña a pie, deteniéndose de tanto en tanto, sólo para renovar energías y controlar el contenido de la caja de cartón que lleva bajo un brazo. Entre rayos de sol y tormentas tropicales llega finalmente a destino: la casa semiderruída de su madre, en medio del sertão. Allí, luego de cruces de miradas y algunas pocas palabras, se comprende que madre e hija no se han visto en muchos años y, más importante, que aquello que la hija cargaba dentro de la caja era su propio hijo muerto, pronto a ser enterrado en la casa familiar. Con ciertos elementos del cine de Sokurov y Paradjanov pero repensados desde la estética del cine latinoamericano contemporáneo, el segundo largometraje de Petrus Cariry esquiva los lugares comunes de ambas tradiciones para proponer un lenguaje propio, extraño, en el que la fuerza de lo real se potencia con estallidos de imágenes míticas, sobrenaturales. Desde esa posición “incómoda”, Mãe e filha se vuelve uno de los ejemplos más contundentes del cine de una geografía decidida a no dejar de renovarse.
Sobre el director:
Petrus Cariry nacido en Fortaleza, Brasil, en 1977, se formó como diseñador web en la Facultad Integrada de Ceará-FIC. Por sus cortometrajes recibió más de 50 premios en festivales nacionales e internacionales. En 2007 dirigió su primer largometraje, El grano, que ganó más de 30 premios en todo el mundo
Juan of the dead
Director: Alejandro Brugués
Guion: Alejandro Brugués
Reparto: Alexis Días de Villegas, Jorge Molina, Andrea Duro
Cinematografía: Carles Gusi
Edición: Mercedes Cantero
Título Original: Juan of the dead
Producción: España, Cuba | 2011
Duración: 90 minutos / 35mm, color
Sinopsis:
“Juan de los muertos: matamos a sus seres queridos, ¿en qué puedo servirles?”: así, con estas palabras solícitas y contundentes se presenta el (anti) héroe de la primera película cubana de zombies con destino de culto. Con el clásico animado Vampiros en La Habana como antecedente casi solitario de cine de no-muertos hecho en la isla, la saga Evil Dead como virulento referente y Shaun of the Dead como delirante horizonte, Brugués exorciza años de consumos clase Z filmando la (políticamente incorrecta) metáfora-de-muertos-vivos del día. Y si al patriarca Romero le sirvieron para encarnar la parodia del consumismo, la locura militar y la avanzada capitalista, en Juan of the Dead los que regresan en busca de vísceras también ofrecen, ejem, “subtexto” y comentario lisérgico sobre los cubanos y la manera en la que tienden a reaccionar ante las crisis. Aunque en el fondo, quizá, no se trate más que de un pretexto para divertirse destruyendo el malecón de La Habana con imágenes dignas de las mejores superproducciones apocalípticas.
Sobre el director:
Alejandro Brugués nacido en Buenos Aires en 1976, se formó en la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV) de San Antonio de los Baños, Cuba. Escribió el guión de los films cubanos Tres veces dos (2004), Bailando chachachá y Frutas en el café (ambos de 2005). En el 2006 dirigió su primer largometraje, Personal Belongings.
FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA 2011
Hipólito Yrigoyen 1225 (C1085ABO) - Ciudad Autónoma de Buenos Aires - Argentina
Teléfono/Phone: +54 11 4383 5115 - info@mardelplatafilmfest.com – http:// www.mardelplatafilmfest.com
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